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GBG Arts e Imago estrenan ‘Píxeles’ en Miami

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A partir del 12 de enero los espacios de Imago art in action en Miami (Estados Unidos) exhibirán el proyecto expositivo “Píxeles”, de la galería de arte venezolana GBG Arts, con una selección de obras de 23 artistas latinoamericanos que volcaron su mundo creativo en un formato de 24 x 24 centímetros.

Vicente Antonorsi, Nadia Benatar, Daniel Benaim, Ricardo Benaim, Elizabeth Cemborain, Nidia Del Moral, Bernadette Despujols, Bea Eggly, Gabriela Elena García, José Luís García R., Consuelo Ginnari, Alfredo Herrera, José Margulis, Francisco Martínez, Cristina Matos-Albers, Gianna Pollarolo, Richard Conti, Gisela Romero, Rafael Rangel, Ismael Rodríguez, Lubeskha Suarez, Efrain Ugueto y Maria Angelica Viso, son los artistas que participan en esta muestra, producto de un relato curatorial que inició GBG Arts en Venezuela con el fin de presentar un pequeño mapa de la plástica en el país.

Según escribe María Clara Fernández en el texto de presentación de la muestra, “Píxeles” nació de un proceso de exhibición que buscaba presentar un gran abanico de artistas de diferentes generaciones y tendencias en una sola exposición, con obras en un formato único de 24 x 24 centímetros. Este fue el punto de partida a un proceso orgánico de interacción entre obras, artistas y espectadores que se expandió hasta lograr la participación de más de 200 artistas, en un contexto donde cada obra corresponde a un Píxel (picture element).

De esta manera, se dio el encuentro de obras de jóvenes artistas con las obras de artistas de gran trayectoria, en un contexto donde cada obra corresponde a un Píxel (picture element) que se ordena de manera lógica, y cada Píxel o picture element, como un diseño fractal, contiene el mundo estético del artista particular.

El proyecto es un ejercicio de creatividad constante: cada Píxel es único, el espectador-coleccionista juega con las afinidades o compensaciones de cada pieza en la selección de su matiz y la modifica añadiendo espacio u otros Píxeles. De esta manera la colección tiene un componente de infinitas posibilidades.

La exposición “Píxeles” podrá visitarse hasta el 23 de febrero, de 10:30 a.m. a 5 p.m., en los espacios de Imago art in action, ubicados en 165 Majorca Ave, Coral Gables, FL 33134, EE. UU.

Cabe destacar que el formato Píxeles de GBG Arts puede visitarse también de forma digital a través de la página web www.gbgpixeles.com

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Obras geométricas de Anna Mercedes Martínez invaden los espacios
de Sietealcubo en Los Galpones

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La obra de la artista venezolana- brasileña Anna Mercedes Martínez será exhibida en una exposición titulada “Geometría Caracas”, que se inaugurará este sábado 25 de noviembre a las 11 a.m. en la galería del espacio Sietealcubo, del Centro de Arte Los Galpones, y permanecerá abierta al público hasta el 14 de enero de 2018.

Son 15 piezas las que integran esta muestra: 7 obras tridimensionales que rinden tributo a Caracas en sus 449 años, y 8 pinturas entre dípticos y trípticos, en donde se puede observar la influencia de la arquitectura y de lo urbano, así como también el manejo del color y de los trazos siempre rectos en los que no tiene mayor importancia la simetría y la tridimensionalidad, según afirma la propia artista.

Con sello e identidad propia, la obra de Anna Mercedes Martínez en "Geometría Caracas" está caracterizada por el uso de una paleta neutral quebrada por toques de color, con un lenguaje geométrico que se desarrolla con soltura y decisión, en un proceso racional pero con un resultado altamente poético, según afirma la artista Mercedes Elena González en el texto que acompaña la exposición.

Su obra “transmite la energía y la nostalgia de los años cincuenta y sesenta, períodos del boom de la modernidad donde todo parecía posible. Detrás de las rayas que se cruzan sobre la superficie, se trasluce el espíritu urbano, la ciudad con sus luces y sombras”, escribe González.

Asimismo, en su texto la creadora compara una de las piezas expuestas por Anna Mercedes Martínez con una de las obras pivote del arte del siglo XX, "Broadway Boggie Woggie "de Piet Mondrian; además asegura que encuentra referencias estéticas con algunos maestros venezolanos de la geometría, como Mateo Manaure, Juvenal Ravelo o Carlos González Bogen; y relaciona su cuerpo de trabajo con la Universidad Central de Venezuela, “obra magna de Carlos Raúl Villanueva, lugar en donde el arte y la arquitectura se fusionaron en perfecta armonía”.

La exposición “Geometría Caracas” será inaugurada el sábado 25 de noviembre a las 11 a.m., y permanecerá en exhibición hasta el 14 de enero de 2018 en la galería del espacio Sietealcubo, ubicado en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado de 11 a.m. a 6 p.m. y domingos de 11 a.m. a 4 p.m. La entrada es libre.

Cabe destacar que el evento de inauguración contará con la musicalización de Humberto Scozzafava, integrante de la banda “La Provisional” de Nu jazz y música electrónica, quien estará reinterpretando y remixeando en vivo los temas de su primer CD Estación Espacial Caracas, en formato Live Remix Set.

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LA CERAMICA DE NOEMÍ MÁRQUEZ CONVOCA EN D’MUSEO

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La notable artista del fuego presenta a partir de este domingo en 30 obras la más reciente etapa de su inagotable creación.

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Bajo el título de  Luz & FUEGO que dejan Huella en el Tiempo, la ceramista Noemí Márquez presenta el fruto de su más reciente obra, producto de su inagotable creación e intensa relación con los elementos fundacionales, tierra, aire, agua y fuego, y que se expresan en una apretada selección de cerca de 30 piezas de diversos formatos y materiales para celebrar cuatro décadas en el arte.

La galería D’Museo ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, con la curaduría de José Francisco Cantón y la museografía de Alberto Asprino y el mismo Cantón, ofrece a partir de este domingo 19 de noviembre a las 11 a.m., a la par que piezas clave de Noemí Márquez, un valioso testimonio de su trayectoria basado en el trabajo de los experimentados fotógrafos Luís Lares, Manuel Pérez “Tucán”, Antolín Sánchez, Carlos Germán Rojas, Edgar Moreno, Laura Márquez y María Isabel Morillo, quienes durante años han ejercido un intenso acompañamiento de la artista en el taller y en sus proyectos expositivos que les ha permitido captar momentos estelares de su ruta creativa.

Una ocasión que siempre propició la artista de hacerse acompañar por quienes le han brindado su luz: “La fotografía nos regala la realidad de un instante, un paisaje, un retrato, una escultura, un pueblo, una ciudad, un mundo, un presente, un pasado y un futuro para recordar”, dice Noemí Márquez próxima a cumplir 84 fértiles años de celebración de una fiesta interminable. La que ocurre de la maravillosa conjunción del trato con el barro, la cocción, el pacto con el fuego y sus purificadoras temperaturas, el encuentro de las formas que surgen de la arcilla, la porcelana, el barro y la arena una vez que los temas/personajes ya están en la mente y el taller a la espera de su ejecución, hijas naturales del encendido trópico que las inspira.

Entendemos la obra de Noemí –dice José Francisco Cantón- como consecuencia de su compromiso creador, piezas de formas fantásticas y expresiones que vinculan el elemento vegetal con lo iconográfico. Obras saturadas de contenido simbólico y de un espacio violentamente palpable, signadas por la búsqueda de una dimensión que se corresponde con el tiempo que la artista vive. Así es su verdadera temática.   

El público verá y admirará piezas de hasta tres metros de altura, algo normal para quien como Noemí Márquez ha lidiado con grandes volúmenes en espacios retadores, aunque también estarán piezas de mediano formato propiciando un equilibrio en sala. Una producción cimentada en la elaboración de un discurso sólido al que arribó una vez superada su etapa inicial utilitaria como paso previo al lenguaje acendrado actual.

Cantón señala que “Ninguna de las piezas de la ceramista es completamente lisa: tienen signos como flechas, espirales y cruces”. Aunque pueden asociarse con la simbología indígena, para la autora no son más que marcas para vestir la obra, pues su intención es darle personalidad a cada una para que se diferencie de las otras. Sin embargo, en conjunto las personas pueden reconocer que provienen de las mismas manos, las de Noemí Márquez.

Noemí Márquez tiene una profunda formación artística. Realizó estudios de cerámica y arte puro, modalidad cerámica, en la Escuela Cristóbal Rojas (1969-1975) con Sergio González y Reina Herrera. En 1978 tomó cursos de cerámica avanzada en Skidmore College (Saratoga Springs, Nueva York) y en la Penland School of Crafts (Spruce Line, Carolina del Norte). Inicialmente produjo piezas con formas fantásticas y expresiones que vinculaban el elemento animal con lo vegetal; luego trabajó con piezas espaciales, especies de robots y platillos voladores.

Participó entre 1981 y 1993 en diversos seminarios con destacados ceramistas internacionales, entre ellos Warren Mackenzie, quien cambió su concepto de la cerámica utilitaria, y Tom Suomalainen, quien la induce a la cerámica escultórica.. Es miembro fundador de la AVAF, que preside entre 1982 y 1984.

Ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas el Salón Nacional de las Artes del Fuego, "View Points in Venezuela Ceramics" (Meeting Point Art Center, Miami, Florida, Estados Unidos, 1981), la I y II Trienal Mundial de Pequeña Cerámica (Zagreb, 1984 y 1987), "Venezuelan Studio Ceramics" (British Craft Centre, Londres, 1985), la II Exhibición de Cerámica Internacional (Museo de Bellas Artes, Taipei, Taiwan, 1985) y la Foire Internationale d'Art Latinoamericain (Bruselas, 1994). En 1995, en el marco de la muestra "Diez presencias de las artes del fuego en Venezuela" (GAN), interviene el área de la pileta con una serie de piezas de gran contundencia visual. En 1998 recibió el Premio Nacional de Artes del Fuego.

La exposición LUZ & FUEGO que dejan Huella en el Tiempo de Noemí Márquez se estará presentando desde el 19 de noviembre hasta finales de febrero de 2018, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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El Arte Abstracto estrena nuevos espacios de GBG Arts
con las propuestas de 16 artistas

La galería GBG Arts amplía sus espacios expositivos para expandir su visión en las artes visuales con tres nuevas salas, las cuales darán apertura el sábado 18 de noviembre a las 11:00 a.m., a una muestra fundamental de 16 artistas cuyas propuestas parten o se dejan influir  por el lenguaje de la abstracción.

“Abstracción: Atracción” es el título de esta exposición en la que se podrán ver las perspectivas disímiles y heterogéneas de artistas como Elizabeth Cemborain, Javier Vivas, Piers Veness, José Antonio Fernández, Jorge Cabieses, Carlos Medina, José Gabriel Fernández, Harry Abend, Rafael Barrios, Alejandro Vega Beuvrin, Alberto Cavalieri, Spidertag, Sandro Pekeno, Patricia Van Dalen, Bernadette Despujols, y Efraín Ugueto.

“Se trata de ver arte abstracto en el contexto de la contemporaneidad. Atracción para el artista de llevarlo a cabo a más de cien años desde su consolidación en la historia del arte moderno; atracción para el que mira y aprecia su pertinencia a más de un siglo de tradición”, afirma la curadora e investigadora de arte Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra. 

Las acepciones abstractas son múltiples, según explica Benko. Artistas enfocados en la pureza de las formas, centrados en la geometría, en la relación figura-fondo, en el color, y en el equilibrio o inestabilidad de los elementos expresivos.

En tal sentido, Elizabeth Cemborain parte de imágenes de la realidad urbana y las reduce a elementos cromáticos mínimos, mientras que en las pinturas de Javier Vivas y Piers Veness está la imagen protagónica, gráfica y concisa. José Antonio Fernández parte de la figura pentagonal y la reduce en segmentos mínimos, Jorge Cabieses busca intencionalmente despojar de significado a sus figuras geométricas, Carlos Medina realiza reducción y síntesis extrema en sus relieves, y José Gabriel Fernández hace lo mismo en sus collages.

De las piezas tridimensionales presentes en la muestra, la curadora señala que en su mayoría se sustentan en la geometría y en la composición, como es el caso de Harry Abend, quien trabaja formas geométricas básicas para organizar de manera sistemática sus relieves, Rafael Barrios genera ilusiones ópticas a partir de los cambios tonales en el color aplicado en la lámina de aluminio que conforma su escultura, Alejandro Vega Beuvrin utiliza la intersección de planos en el espacio como fundamento de las piezas ensambladas, Alberto Cavalieri crea signos mediante la fragua, fundición y soldadura del metal, y Spidertag realiza composiciones geométricas de luz teniendo al espacio como escenario.

Por otro lado, Susana Benko se refiere a los creadores que “se abstraen o se inventan ‘realidades plásticas’ a partir de la reducción y la exactitud racional de la geometría”. A su juicio, Sandro Pekeno se acerca a la abstracción desde la materia y asume la escultura como volumen y masa, mientras que, volviendo al plano bidimensional, “la expresión espontánea, libre, la vemos en la serie de franjas que traza Patricia Van Dalen, gestos con los que explora tanto escalas tonales como matices de color. Bernardette Despujols, por otra parte, parece llevar a la tela la impronta de lo orgánicamente femenino mediante una expresión voluptuosamente informal. Efraín Uguetodemuestra que la atracción no sólo atañe a las formas puras. La crea por medio de la relación disímil e irónica entre los elementos que componen sus piezas...”

El público podrá apreciar las diferentes propuestas de estos artistas a través de la exposición “Abstracción: Atracción”, que se estará presentando del 18 de noviembre al  , en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre. 

Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS

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Alejandro Vega.

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Bernadette Despujols.

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Bernadette Despujols.

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Cabieses.

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Carlos Medina.

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Cavalieri.

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Efrain Ugueto.

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Efrain Ugueto.

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Elizabeth Cemborain.

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Harry Abend.

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Javier Vivas.

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José Antonio Fernández.

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José Antonio Fernández.

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José Gabriel Fernández.

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Patricia Vandalen.

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Piers Veness.

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Rafael Barrios.

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Sandro Pekeno.

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Spidertag.

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Spidertag.

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Nueve artistas muestran lo más fresco de su creación
en el primer aniversario
de Cerquone Projects

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Las más recientes obras de nueve artistas emergentes con líneas de trabajo totalmente heterogéneas, integran la exposición “Fresco”, que inaugurará Cerquone Projects el viernes 17 de noviembre a las 4 p.m. en su sede ubicada en La Castellana, para celebrar el primer aniversario de hacer de su espacio una vitrina para el arte contemporáneo, en especial de las nuevas generaciones.

Los hermanos Paul y Fausto Amundarain, Juan Gerstl, Bernardette Despujols, Corina Höher, Jonathan Lara, Luigi Rodríguez, Daniel Van Der Noon y Javier Vivas, presentan en esta muestra piezas nuevas de su producción, que nunca han sido expuestas en Caracas y que vienen a conformar una exposición inédita en la cual, de acuerdo a la curadora e investigadora de arte Susana Benko, el término “fresco” se refiere no sólo a la presentación de lo nuevo, sino también a una frescura perceptiva ante lo diverso.

En esa diversidad, según explica Benko en el texto que acompaña la muestra, el geometrismo tiene buena representación en la obra de Javier Vivas, cuya geometría “se sustenta en formas puras, en las relaciones que establece entre éstas según su peso, balance o contraste de color, o con el no color”; mientras que Corina Höher y Juan Gerstl “son los artistas abstractos cinéticos del grupo. A ambos les interesa el trabajo con la luz, la transparencia y el color”, afirma Benko.

Jonathan Lara y Paul Amundarain utilizan técnicas de impresión bajo distintas ópticas, Jonathan se vale de la serigrafía sobre tela como medio, y Paul Amundarain trabaja la tela con medios mixtos, como pintura, fotografía e impresión digital con tinta UV.

Fausto Amundarain emplea el collage para tratar, “por un lado, el entorno urbano visto a través del rasgado de papeles impresos que recurrentemente se pegan en las vallas publicitarias de la ciudad; por el otro, remembranzas de su pasado personal, a través de ‘citas’ gestuales y expresivas de grafismos extraídos de sus propios dibujos infantiles”, continúa la curadora.

Por su parte, Luigi Rodríguez muestra para esta ocasión tres páginas intervenidas del libro de fotografías de Daniel Angeli y Jean-Paul Dousset titulado Private Pictures, un obsequio familiar; Daniel Van Der Noon, utiliza marcadores, creyones y un pincel para dejar asentadas algunas reflexiones, conceptos (palabras), fragmentos de paisajes, distribuidos de manera dispersa sobre el área del papel; y Bernardette Despujols asume la condición social, histórica e incluso orgánica de la mujer en cualquiera de los medios que trabaja: la escultura, la pintura, la instalación, entre otras.

“En todos estos artistas, cabe decir, está el deseo de materializar sus ideas en sus obras. De allí la variedad de tendencias y motivos, según sus intereses y procesos creativos. Se trata de una doble y necesaria condición: la de integrar forma y contenido, modo como sus creaciones quedan justificadas dentro de los parámetros de la contemporaneidad”, concluye Susana Benko.

El público podrá apreciar la obra de estos nueve creadores a través de la exposición “Fresco”, que se estará presentando desde el 17 de noviembre hasta finales de enero de 2018, en los espacios de Cerquone Projects, ubicados en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. Para visitar la muestra se debe concertar cita previamente a través de los teléfonos 0414-2932063 / 0414-1560932. La entrada es libre.

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En la Galería Espacio 5 de Valencia.

Ramsés Larzábal muestra su universo íntimo en su próxima exposición individual

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Una gran instalación con fragmentos que representan el espacio vivencial del artista Ramsés Larzábal constituye la exposición “INTENSA MENTE”, que será inaugurada este sábado 11 de noviembre a las 11 a.m. en la Galería Espacio 5 de Valencia, en el estado Carabobo, donde permanecerá en exhibición hasta enero de 2018.

Residenciado desde 1980 en Venezuela, donde ha desarrollado una importante trayectoria artística nacional e internacional, Ramsés Larzábal presenta en esta ocasión una metáfora de su “taller-casa” –como él mismo lo define– traído al territorio museable de una galería de arte, según se afirma en el texto de presentación de Vanessa Valdés, directora ejecutiva de arte de Espacio 5.

“INTENSA MENTE, es entrar al espacio íntimo de Larzábal, cada fragmento representa elementos que conviven a diario con el artista: cartas, notas, sus primeros lentes, etiquetas de ropa, blíster o contenedores, entre otros; y una selección cuidadosa de objetos compartidos con su madre: prendas de vestir, faldas, sus tejidos inconclusos, bolsas de hilos, cojines, almohadas, afiches, que en el anecdotario de Ramsés están relacionados con historias reales, vividas con intensidad”.

Para Valdés, más allá de mostrar una suerte de inventario de cosas que posee en su “taller-casa”, el artista transforma los elementos cotidianos en obra, elementos que en el proceso de deconstrucción, en sí mismos, sin añadir elementos ajenos, adquieren una nueva lectura, un nuevo carácter semántico. “Como resultado, una obra, en esencia, impregnada de vivencias; y en forma, en el lenguaje plástico, un Larzábal contundente en abstracción geométrica”.

En un acompañamiento curatorial junto al investigador en artes visuales Alberto Asprino, se detalla en una extensa entrevista al artista las razones y circunstancias que lo llevan a trabajar en parte de su discurso plástico con materiales no convencionales.

“Desde mi vida-casa-taller , he armado todo ese espacio con materiales que voy recogiendo por ahí, mis lámparas, sillas, mesas, escritorio, cama, escaparate, muebles, prendas, ropas etc. Quizás esto venga de la infancia ya que en las condiciones donde nací había que inventarse con poco, hoy no persisten las mismas circunstancias y sin embargo soy un obsesionado de estar haciendo cosas todo el tiempo y como todo el tiempo lo que hago está relacionado con quien soy y con quien decidí ser en la vida, entonces el ejercicio es hasta caer agotado. El alimento de ese ejercicio es la vivencia, entonces estoy, como quien dice, bien alimentado”, expresa el artista.

Dentro de la instalación también se incluye una selección de poemas, “Larzábal ha denominado poemas parásitos: es su manera particular de co-habitar con la literatura y sus escritores. Una simbiosis de imágenes que dan paso a nuevas asociaciones o metáforas”.

Ramsés Larzábal ha participado en diversas muestras en Venezuela y otros países como Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Estados Unidos, Italia, República Dominicana, Rumania, Suiza; y ha ganado múltiples premios como los Salones de Artes Visuales Arturo Michelena, Salón Artes del Fuego, y la Bienal Salón Nacional de Dibujo y Estampa, entre otros. Asimismo, está representado en diferentes colecciones privadas  y en museos, a nivel nacional e internacional.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este artista a través de la muestra “INTENSA MENTE”, que se estará presentando desde el 11 de noviembre de 2017 hasta enero de 2018, en la Galería Espacio 5, ubicada en la casa No. 141-10 de la avenida Carabobo con cruce de la calle La Ceiba, urbanización La Viña, en Valencia, estado Carabobo. El horario es de martes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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CLEMENCIA LABIN EXHIBE
SU UNIVERSO ARTÍSTICO
EN BEATRIZ GIL GALERÍA

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La propuesta creativa de la artista venezolana Clemencia Labin tomará las dos salas de Beatriz Gil Galería, con una exposición titulada “Bizarra”, que será inaugurada el próximo domingo 12 de noviembre a las 11 a.m. y permanecerá en exhibición hasta febrero de 2018.

Un conjunto de piezas de reciente producción, que dan cuenta de las claves esenciales de la obra de Labin a lo largo de su extensa trayectoria, conforman esta individual que a su vez se presenta “como una suerte de recapitulación, un (re)cuento a partir de un puntual inventario de obras tempranas que ejercen como epílogo a su trabajo”, según afirma la curadora e investigadora de arte Ruth Auerbach, en el texto que acompaña la muestra.

Para la curadora, la obra de Clemencia Labin reelabora sueños infantiles, remembranzas familiares, costumbres y tradiciones religiosas con cierta ironía y sentido del humor;  y se construye sobre la práctica de una persistente exploración visual orientada a descubrir posibilidades inéditas de creación, para desafiar un campo expandido de la pintura que abarca la estructura del objeto escultórico, la instalación, el performance y los cuadros vivos como estrategias de representación.

“En los albores de su práctica artística, Labin se interesa en redimensionar las claves del expresionismo abstracto y las del Pop Art norteamericanos, al tiempo que recurre al vigoroso cromatismo de las diferentes corrientes expresionistas alemanas (…) Es a partir del nuevo milenio cuando se emancipa de los rígidos límites del marco para configurar un inusitado universo de pinturas y volúmenes autónomos o agrupados en constelaciones independientes”.

Su propuesta se consolida mediante el uso de materiales extra pictóricos como telas, tejidos, hilos y texturas artificiales que desde entonces operan como sustitutos de la pintura, desarrollando entre 2001 y 2016 su más amplio y ecléctico cuerpo de trabajo realizado hasta la actualidad, Pulpa chic, redefiniendo «la tercera dimensión de la pintura», tal y como expresa Auerbach.

“Objetos, esculturas y cuadros se despliegan en una serie de piezas mórbidas y esponjosas, superficies acolchadas y tapizadas con retazos de las más insólitas y extravagantes materias, texturas y tejidos flexibles, de gran plasticidad y ornamento (…) Estructuras híbridas, alzadas, suspendidas o en reposo –columnas, piñatas, truncas, tocados y vestiduras– representan una alegoría suculenta, pulposa y voluptuosa que opera no solo en su capacidad de renovación creativa sino también dialoga en resonancia con la interpretación visual de su universo”.

En “Bizarra”, la primera exposición de Clemencia Labin en Beatriz Gil Galería, la artista exhibe sus pinturas e instalaciones escultóricas en una intervención consciente y libérrima a la vez, según palabras de la curadora.

“Ciertamente, la reapropiación de la feminidad como argumento temático y el tratamiento del color como herramienta y estrategia formal subrayan dos aspectos o premisas fundamentales para abordar la particularidad que se desprende de estos trabajos. En ellos, no se cuestiona el rol de «lo femenino» entendido como discurso crítico y esencialista sobre el género en términos de dicotomía.

Al reconciliar las estrategias formales del discurso pictórico, lo femenino en su obra se relaciona entonces con las geografías y con los tiempos; la identidad, la otredad y la diferencia; el subconsciente, el cuerpo, la iconografía, la historia del arte y la estética de la cultura. Asimismo, el color se centra como el elemento formal más destacado en toda su propuesta. Labin construye las formas con el color y partir de sus cualidades expresivas experimenta las representaciones abstractas y orgánicas por igual, expandiendo a su paso innovadoras y desafiantes experiencias sensoriales…”.

Nacida en Maracaibo y formada en Alemania, la artista Clemencia Labin posee cerca de tres décadas de trayectoria artística, durante la cual estudió en la HfbK, Academia de Arte de Hamburgo, con profesores de la talla de Kai Sudeck, Franz E. Walther y Sigmar Polke. Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de Venezuela, Alemania, Puerto Rico, Estados Unidos, Costa Rica, Suiza, Bélgica, Canadá, Francia, España, Brasil, Colombia y Holanda, entre otros países; y su obra forma parte de las colecciones del Museo Alejandro Otero, Galería de Arte Nacional, Banco Mercantil, Patricia Phelps de Cisneros y Museo de Arte de Valencia; y en el exterior, del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España), Warehouse, Martin Margulies Collection (Estados Unidos) y Colección Javier y Ofelia Núñez González (España).

El público tendrá la oportunidad de apreciar el trabajo de esta artista a través de la exposición “Bizarra”, que se estará presentando del 12 de noviembre del presente año hasta febrero de 2018, en Beatriz Gil Galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco, Las Mercedes, Caracas. El horario es de lunes a viernes de 10 a.m. a 7 p.m., sábados de 10 a.m. a 4 p.m., y domingos de 11 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser consultada a través de la página www.beatrizgilgaleria.com o a través de Facebook: Beatriz Gil Galeria Twitter: @beatrizgilgal   Instagram: @beatrizgilgaleria  y  Youtube: Beatriz Gil Galeria

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UNA OFRENDA ESCULTÓRICA
PARA LAS VICTIMAS​

El artista venezolano Antonio García Rico protesta con su obra escultórica Ofrenda, la cual consistió en una instalación en homenaje a los venezolanos fallecidos en las protestas contra el gobierno, y que fue emplazada en la plazoleta ubicada en la avenida principal de Las Mercedes, frente al Concejo Municipal de Baruta.

Instalada desde ayer domingo, Ofrenda  forma parte de su trabajo artístico que parte de la alquimia, un desarrollo conceptual sobre los cambios y las transformaciones de la materia. La pieza es el resultado de un trabajo de investigación de 3 años, exhibido en el Museo Alejandro Otero a principios de año, la cual se ejecutó con materia prima sobrante de una obra pública: Los postes de luz del puente República, frente al palacio de Miraflores.

Tres módulos compuestos por  tubos de hierro oxidado, cuya dimensión abarca 1.90 mts x 2.60 mts. x 2.30 mts conforman 3 erizos checos, que guardan semejanza con el monumento inaugurado el 6 de diciembre de 1966 para conmemorar el 25º aniversario de la victoria en Moscú contra los invasores alemanes.

Para el artista Antonio García Rico, la obra es un símbolo de protesta, una toma del espacio público, y está allí “en honor a todas las victimas de muerte durante las protestas realizadas en nuestro país. Algo duro y difícil de recordar, pero que tiene que estar presente, que no se debe olvidar”, expresa el artista. Es su primera obra ubicada en espacios urbanos, aunque actualmente está invitado a realizar una escultura por la paz de Colombia para ser colocada en los jardines de su parlamento.

Diseñador Industrial y artista visual Antonio García Rico ha desarrollado una trayectoria desde  el año 2012, cuando participó en la exposición colectiva NOMATERIA, en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez en Caracas. Entre el  2014 y el 2016 participo en el Salón Arturo Michelena, en las subastas de Fundana  y en dos muestras en las Galerías Parenthesis y GraphicArt.  Su obra ha estado ´presente en las Ferias de Art Lima, Perú, y en Barcú, Colombia, en varias ediciones .A comienzos de este año realizó su primera individual  Procesos / objetuales, en el Museo de Artes Visuales Alejandro Otero. Y más recientemente en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, MAC en la muestra: El principio del vacío.

Antonio José García Rico.
Diseñador Industrial / Artista Visual.

Telf. Oficina Venezuela: (58-212) 7632126 - 3168135

Telf. Celular Venezuela: (58-426) 5187770
Telf. Directo / Bogotá-Colombia: (57-1) 508755
skype: garantonio2
e-mail: garantonio@gmail.com


Dirección oficina Venezuela: Final calle El Recreo, Edif. Farallón, piso 11, Ofic. 113, Sabana Grande, Caracas.

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Dibujos de Eddymir Briceño Venegas evocan recuerdos no vividos en ABRA de Los Galpones

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Este domingo 5 de noviembre a las 11 a.m., la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones inaugurará una exposición titulada “Íntimo”, de la artista venezolana Eddymir Briceño Venegas, la cual podrá ser visitada hasta el 3 de diciembre.

La muestra reúne un conjunto de 65 dibujos realizados a partir de viejas fotografías de la familia tomadas por Pablo Venegas, abuelo de la artista, quien en un esfuerzo por conectarse con memorias de un pasado no vivido que resuena sensiblemente en el frágil trazo de su línea –según ella misma afirma– recrea momentos cotidianos, celebraciones y encuentros en un ejercicio de apropiación del recuerdo. Este proyecto se inició en el año 2005 en ProDiseño Escuela de Comunicación Visual y Diseño, en la cátedra de Dibujo 8 bajo la tutoría de Efrén Rojas. 

Para la autora del texto de sala, Rebeca Pérez­-Gerónimo, “la presencia física del recuerdo son entonces estos dibujos, que a su vez subtitulan la estampa contundente de la fotografía”. A su juicio, la línea se convierte en una evocación que lucha contra el hurto del tiempo y la pérdida de la memoria, adquiere una forma y se materializa.

“Es así como entonces el dibujo se enfrenta ante el permanente deshacer del tiempo para rehacer una memoria. De esta huella, lo que parece ser una aglutinación, es en verdad una semilla que se guarda para luego poder sobrevivir, a través de los recuerdos. Esos que se tuercen en ese vaivén de la memoria y dan vuelta también sobre el papel”, escribe Rebeca Pérez-Gerónimo.

Eddymir Briceño Venegas (Caracas, 1982) es diseñadora gráfica egresada con mención honorífica de la Escuela de Comunicación Visual Prodiseño (Venezuela), y ha desarrollado una importante carrera en el área del diseño y de la ilustración. Desde el 2013 funda y dirige junto al diseñador Yonel Hernández el estudio de diseño gráfico e ilustración Inés&Bernardo, y en 2014 funda junto a Virginia Riquelme, Isabella Saturno y Yonel Hernández, el Sello Editorial independiente Barco de Piedra. Como diseñadora ha trabajado en el Museo de Bellas Artes de Caracas, MBA, con la asesoría de Carlos Rodríguez; y en el taller de diseño Visión Alternativa C.A., VACA, (2008—2011), bajo la dirección de Gabriela Fontanillas y Álvaro Sotillo; entre otras instituciones; y en el área de ilustración ha colaborado con diversas revistas del país.

El público podrá apreciar el trabajo de esta artista a través de la exposición “Íntimo”, que ese estará presentando del 5 de noviembre al 3 de diciembre,  en la Galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

Mayor información a través de @abracaracas en twitter e instagram  y www.facebook.com/abracaracas por facebook

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Sala TAC en Trasnocho Cultural inaugura “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen

Para Thea Segall “la fotografía es una manera de expresar lo que uno ha visto”.

El domingo 29 de octubre, a las 11:00 am la Sala TAC / Trasnocho Arte Contacto del Trasnocho Cultural presentará la exposición fotográfica “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen”. La muestra, bajo la curaduría de Yuri Liscano y con el apoyo de la Colección C&FE Caracas, la Fundación Bigott y el Archivo Fotografía Urbana, reúne una selección de fotografías, libros y documentos de Thea Segall.

Nacida Burdujeni, Rumania, en 1929 y residenciada en Venezuela desde 1958 hasta su fallecimiento en 2009, Thea Segall realizó un trabajo fotográfico imprescindible, abarcando aspectos tan diversos como el registro etnográfico, la cultura rural, la arquitectura religiosa, el retrato y la fotografía institucional, además de ser editora de numerosas publicaciones y de llevar su propio estudio fotográfico. Sus emblemáticas fotosecuencias del modo de vida de las etnias originarias marcan una óptica renovadora y sistemática, labor que le mereció importantes reconocimientos nacionales e internacionales.

“Esta muestra –señala el curador– es el resultado de una aproximación a la trayectoria de Thea Segall: fotógrafa incansable, investigadora, editora y, sobre todo, una comprometida creadora. Ella, por más de 50 años de labor sistemática e ininterrumpida, constituyó un importante archivo de imágenes, publicaciones y documentos que se convierten en testimonio patrimonial de su dedicación (…)”. El acceso a ese valioso legado ha sido posible gracias al apoyo y la complicidad de su sobrina Iris Segall, quien ha estado a cargo de su cuidado desde el fallecimiento de la autora.  

Según indica Liscano: “Su vida y obra estuvieron signadas por dos viajes, dos seductores encuentros. El primero a Caracas en 1958, en el que quedó encantada con la magia de la luz. El segundo, y definitivo, lo concretó en 1959, cuando fue a San Juan de Manapiare, en el estado Amazonas. Un recorrido  con el que quedó  enamorada del gentilicio de los pueblos originarios y de la geografía venezolana. Imbuida en este imponente paisaje natural y humano, decidió  instalarse en el país para desarrollar su producción, convirtiéndose en uno de los iconos emblemáticos de la fotografía nacional”.

La exposición “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen”, se complementa con un catálogo diseñado por Pedro Quintero (también encargado de la museografía)  donde se recoge un texto analítico y una exhaustiva cronología de la actividad fotográfica  y editorial de la autora, así como imágenes de varias de sus fotosecuencias y documentos relacionados con su trayectoria profesional. 

La exhibición estará abierta al público en la Sala TAC / Trasnocho Arte Contacto hasta el 28 de enero de 2018.  En ese marco se llevarán a cabo visitas guiadas, así como varios foros para reflexionar sobre la trayectoria y vigencia de la autora con la participación de fotógrafos, investigadores y diseñadores gráficos.  

Horarios de la Sala TAC
Miércoles a sábado: 10:00 a.m. a 9:00 p.m.
Domingo, martes y feriados: 1:00 p.m. a 9:00 p.m.

C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 9932957
salatac@trasnochocultural.com
www.trasnochocultural.com
Twitter: @salatac1  
FB: Trasnocho Arte Contacto
Instagram: salatac1

Thea Segall Rubin (Burdugeni, Rumania, 1929 - Caracas, 2009). Fotógrafa y editora. Fue reportera gráfica de la Agencia Internacional de Noticias AgerPress en Bucarest de 1948 a 1957. Se establece en Venezuela en 1958. Crea el Estudio Fotográfico Thea donde realiza retratos (1959-1994). De 1964 a 1970 trabaja en el departamento de antropología del IVIC como fotógrafa. De 1970 a 1977 comienza a investigar sobre la cultura indígena  y rural venezolana. Fotografió las minas de sal de Araya (1977), así como la actividad minera e hidroeléctrica de Guayana. Su trabajo como editora de libros  fue reconocido con  la Mención de Honor y la Medalla de Bronce, en la Feria Internacional del Libro, Leipzig, Alemania, en 1982 y 1989, respectivamente. En 2004 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía correspondiente al 2002-2003.

Entre sus principales publicaciones como autora y editora se encuentran: Con la luz de Venezuela (1978), Los niños de aquí (1979), El casabe (1979), Guayana por Thea Segall (1980), Un río hacia el futuro (1981), Raíces de Venezuela (1984), Fotosecuencias: Casabe. Curiara. Tambor (1988), Pescadores de Paraguaná (1988), Parques de Caracas (1989), El camino de los arrieros (1992) y Café (1992).

Entre sus exposiciones individuales destacan: “Thea Segall / Fotografías”, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1978, "Fotografías de Thea Segall", Consulado de Venezuela, Nueva York, 1980, "Lo que miró el Almirante", Centro Cultural Consolidado, Caracas, 1992, "Sinagogas", MACCSI, 1999 y "Caroní", MACCSI, 2002.

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Distopías del cómic, la literatura y el cine protagonizan 2da edición de Zombi Exquisito

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El sábado 4 de noviembre a las 11 a.m. será inaugurada la 2da edición del proyecto artístico de cómics e ilustración Zombi Exquisito, con una exposición en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, que bajo el título “Distópolis” reúne un conjunto de obras de 17 artistas, en torno al tema de las distopías y cómo se ha manifestado este género en el mundo del cómic, la literatura y el cine.

Curada por los ilustradores Esther García y Mauro Salmaso, con la colaboración del artista y museógrafo Douglas García y de los artistas Jesús Torrealba y Alcides Marcano, la muestra incluye cómics e ilustraciones de diversos estilos y técnicas como óleo, acrílico, creyones y material de reciclaje, así como también 4 obras tridimensionales, todas seleccionadas previamente por los organizadores a partir de una convocatoria pública.

En esta segunda edición de Zombi Exquisito, cada artista presenta un mundo distópico que puede ser creación original o una adaptación del universo distópico que más le apasiona, ya sea versionando clásicos de ciencia ficción, post apocalípticos, de películas, literatura, cuentos, teorías de fin de mundo, etc.

Asimismo, la muestra estará acompañada de otras propuestas como talleres, charlas y música en vivo, e incluye un espacio con obras venezolanas existentes con el tema de las distopías, donde se mostrará parte del proceso creativo de cada obra, bocetos, creación de personajes y artes finales.

Durante la inauguración se presentará la agrupación musical “AnorexiaIsan” y se realizará una actividad de dibujo en vivo versión cómic, con la técnica “cadáver exquisito”, en la que los participantes ilustrarán la nueva aventura de Susy La Muerta, personaje imagen del evento que aparece en los posters de presentación. Cabe resaltar que esta actividad continuará luego de manera online a través del fanpage https://www.facebook.com/ZombiExquisito/, donde también podrán participar los artistas del interior y fuera del país.

El público podrá asistir a la muestra “Distópolis” de la 2da edición de Zombi Exquisito que se inaugurará el 4 de noviembre a las 11 a.m., y permanecerá hasta el 17 de febrero de 2018 en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, ubicada en la 3era avenida de Los Palos Grandes, entre 2da y 3era transversal. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 3:30 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada a través de las cuentas de Twitter@culturachacao y @BibiotlecaLPG Facebook culturachacao.org  e Instagram culturachacao

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En la muestra individual En[marcado]
Propuesta reciente de Jesús Guerrero
fusiona el marco y la pintura como un todo

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Una exposición titulada En[marcado] será inaugurada el domingo 29 de octubre en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, a las 11 a.m., con una selección de obras de la reciente producción creativa del artista venezolano Jesús Guerrero.

En este proyecto, Guerrero amplía los límites materiales y perceptivos de la abstracción geométrica “para configurar composiciones racionales, simétricas y dinámicas que definen una determinada realidad pictórica; diversifica el formato superando la convención tradicional del rectángulo y el cuadrado para sumar el círculo y el trapecio como un recurso conceptual e instrumental determinante en el proceso creativo; e insiste con los ensayos monocromáticos con todas sus implicaciones y contenidos”, según afirma el curador Luis Velázquez en el texto que acompaña la muestra.

A partir de su necesidad de explorar y generar la forma, el autor produce una obra sobre las bases fundacionales de la abstracción pura, con materiales y técnicas considerados marginales (encerados, láminas y tintas industriales, costuras con máquinas industriales), y en donde el marco alcanza la categoría de arte al integrase a la pintura como “objeto encontrado”, o diseñado y construido por el artista atendiendo a sus ideas y necesidades creativas, tal y como explica el curador.

“Las molduras de Guerrero se adaptan y fusionan a la pintura con una propuesta para cada caso, lo que permite que funcionen como una unidad pictórica entendida y asumida como «verdad», sea que se perciban las respectivas correspondencias estéticas o no; una operación híbrida que en su complejidad llega a rozar los preceptos del conceptualismo”, escribe Velázquez.

Nacido en Tovar, Mérida, Jesús Guerrero ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Venezuela, Francia, Mónaco, Malta, Colombia y Perú, y está representado en importantes colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. A lo largo de más de tres décadas de trayectoria artística, su obra ha sido reconocida con varios premios entre los que destacan: Premio AICA a la Mejor exposición individual (Caracas, Venezuela); Premio Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, XXVII Salón Nacional de Arte Aragua, (Maracay, Venezuela); Premio Arturo Michelena, LX Salón de Artes Visuales Arturo Michelena (Valencia, Venezuela); Premio V Bienal de Arte Christian Dior, (Caracas, Venezuela); Mención Especial en la Bienal de Malta (Mónaco); Premio Gabriel Oliver,XXVIII Salón Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, (Mónaco); y Gran PremioXVIII Salón Nacional de Arte Aragua (Maracay, Venezuela).

La exposición En[marcado] de Jesús Guerrero se estará presentando desde el 29 de octubre hasta febrero de 2018 en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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A partir del 27 de octubre en la Sala Rómulo Gallegos del Celarg.
El arte emergente
de Venezuela, México
y Colombia dialoga
en la exposición itinerante internacional "Travesia"

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Con una muestra que reúne una selección de obras bidimensionales de artistas venezolanos, colombianos y mexicanos, será inaugurado el proyecto expositivo internacional itinerante “Travesía”, el viernes 27 de octubre a las 5:00 p.m., en la Sala Rómulo Gallegos del Centro de Estudios Latinoamericanos, Celarg, con la curaduría de Carolina Sanz (Venezuela) fundadora de Caracas Arte Actual, y de Jorge Valdés (México) fundador de Arte El Escarabajo México, creadores de esta iniciativa.

Partiendo de la alianza entre curadores independientes, espacios de arte, gestores y entes culturales de distintos países de Iberoamérica, este proyecto tiene como objetivo concretar muestras artísticas itinerantes y proyectos comunitarios, que sirvan para estrechar lazos culturales, internacionalizar las obras de artistas emergentes y difundir el trabajo de gestores culturales contemporáneos, según afirman sus fundadores.

El proceso consiste en realizar curadurías en los países involucrados con el proyecto y los que deseen a la larga sumarse, para lo cual el comité fundador abrirá las puertas a postulaciones, y luego llevará a cabo la puesta en escena de las propuestas aceptadas, incluyendo a un curador nuevo encargado de seleccionar a los artistas del nuevo país anfitrión que reciba la muestra, en representación del mismo. 

La idea es, de acuerdo al texto de presentación, “llevar a cabo muestras expositivas itinerantes a nivel mundial, que  permitan evidenciar  la constante y prolifera producción de los artistas emergentes del mundo, además de permitir enlazar arte y comunidad a través de la puesta  en marcha de proyectos artísticos comunitarios replicables en diferentes latitudes”.

La muestra inicial de esta Travesía será en Caracas y cuenta con la participación de los artistas venezolanos Verónica Alvarado, Ernesto Dávila, Diego Mundaraín, Carolina Sanz, Gabriel Pérez, Hecdwin Carreño, Luis HN, Lía Sabela, Ronald Pizzoferrato “Malandro photos”, Bernardo Padilla “Enphoque”, Los Voladores Negros y Fabián Solymar “Dagor”; así como también de los mexicanos Ana Cecilia Quiroz López, Carla Helena Vázquez Juárez, Guillermo Aguilar Huerta, José Luis Vera Jiménez, Jorge Valdes Martínez, Marcela Arias, Otilio García Marabel; y de los colombianos Gris One, Pegatina Criolla, Kadir Molano, Daniel Martínez “Gavilán”, y Skore 999.

Esta primera exposición permanecerá en exhibición hasta el  26 de marzo del 2018. Posteriormente se tiene previsto presentarla en Colombia  y en México, para luego integrar a Chile, Argentina, Brasil y otros países que deseen recibirla.

El público podrá apreciar la muestra internacional itinerante “Travesía”, del 27 de octubre al   26 de marzo del 2018, en la Sala Rómulo Gallegos del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, Celarg, ubicado en la avenida Luis Roche de Altamira. El horario es de 12:30 m a 08:00 p.m. La entrada es libre.

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Desnaturalización: mango, carro y escoba
Gerardo Rojas.

Artistas invitados:
Iván Candeo
Marianela Díaz Cardozo
Alexander Gerdel
Aura Larsen
Federico Ovalles-Ar
Rafael Serrano
Jason Tack


Hora 11:00 am – 6:00 pm.
Centro de Arte Los Galpones, G8, Caracas

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En el Galpón 8 del Centro de arte Los Galpones, Gerardo Rojas presenta un proyecto plástico que se concreta en una Instalación en la que confluyen distintas obras instalativas, tanto del propio artista como de otros creadores que se han involucrado en esta aventura expositiva.

El proyecto titulado Desnaturalización: mango, carro y escoba, puede ser pensado como un análisis poético, un ejercicio de hermenéutica visual, en torno al problema del ser propio de la imagen: su modo de conformarse, su procedencia, el reconocimiento y develamiento tanto de las operaciones que la determinan, como de los quiebres y zonas de incertidumbre que la constituyen. Un análisis plástico acerca de los misterios del aparecer de la imagen y de la apariencia en general.

La Instalación se realiza a partir de una “imagen”, la fotografía de una “vista” familiar para Gerardo Rojas, de un “paisaje” con el que se encuentra diariamente al mirar desde la ventana de su casa; esta imagen registra un frondoso árbol de mango bajo cuya sombra se encuentra un carro y una escoba. Esta fotografía, este registro de una situación cotidiana y recurrente de su vida, es aprehendida por Gerardo no sólo como el relato de una situación habitual y ordinaria, sino examinando y distinguiendo en ella los diversos elementos formales y simbólicos que la describen y especifican. Esta “imagen” se abre, se despliega, se extiende en un conjunto de momentos analíticos (obras) en los que se hace referencia, por una parte, a la condición esencial de la imagen, a su textura identitaria, y por la otra, a múltiples dimensiones de la existencia personal y cultural. Una “imagen”, una “vista”, en la que se despiertan ámbitos de la memoria, del auto-reconocimiento, de la estructura significativa de la realidad.

En tanto que análisis poético, las obras de esta Instalación, así como el recorrido que en ella se propone, descomponen y desmontan formal, semántica y pragmáticamente el ser propio de la imagen en sus unidades fundamentales, en sus ingredientes y elementos constituyentes. La imagen se des-cubre, se reitera, se desdobla en sus diferentes aspectos, en las heterogéneas figuraciones que contiene y a las que alude.

En tanto que hermenéutica visual, es un ejercicio de interpretación en el que, a partir de una suerte de descomposición poética, se traza y se sugiere un complejo sistema de interconexiones entre las distintas obras que componen la Instalación, pero igualmente entre las obras y su contexto, y entre la Instalación y la realidad histórica y el entorno existencial en que acontece. En este sentido, Desnaturalización: mango, carro y escoba reúne un grupo de piezas de Gerardo Rojas que dialogan con obras colaborativas recientes de los artistas Iván Candeo, Marianela Díaz Cardozo, Alexander Gerdel, Aura Larsen, Federico Ovalles-Ar, Rafael Serrano y Jason Tack.

Desnaturalización: mango, carro y escoba ocupará el Galpón 8 del Centro de Arte Los Galpones a partir del domingo 29 de octubre hasta el 21 de enero, 2018.

Gerardo Rojas (Caracas, 1980). Estudia Arquitectura en la FAU-UCV, (1998-2004). Realiza estudios de intercambio académico en École de Architecture Paris La Seine, École de Baeux Arts, Paris (2000- 2001). Investigador del Centro de Estudios del Espacio Arquitectónico y Profesor de Diseño Arquitectónico en la FAU-UCV (2005-2009).  Co-Autor de libro Fuerza de Santiago de León de Caracas, Oscar Todtmann Editores, 2006. Actualmente Profesor de Taller de Plástica del Taller Ventrillon, FAU-UCV.

Exposiciones individuales: Panoramas: el espectáculo del paisaje, Sala Mendoza, 2009. Vectores de Lectura: una fotografía heterológica, CAA, 2012. The Powerless of Photoshop 2003-2013, CAA, 2013. 23 de Enero (Objeto y Espacio), Instalación de fotografías, Museo Jacobo Borges, 2016.

Exposiciones colectivas: Torres de Caracas: Modernidad Silenciada, Sala Mendoza, 2005. Arte Venezolano del siglo XXI, GAN, 2005. Ambulantes, Museo del Oeste Jacobo Borges, 2006. Desatar pasiones ciudadanas, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAMBO, 2008. Cidades Imaginadas Iberoamericanas, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP Ibirapuera, São Paulo, 2010. 65 Bienal Salón Arturo Michelena, Premio Andrés Perez Mujica, Agosto, 2010. Paisaje País, Velada de Santa Lucía, 2011. De visiones, acciones y reacciones, Galería 39, 2011. Propuestas de Arte Emergente, Centro de Arte Los Galpones, 2011. Salón de Premiaciones, GAN, 2012. Salón Jóvenes con FIA – XV Edición, Mención Honorífica, 2012. Melancolía en la Roca Tarpeya, La Caja /Centro Cultural Chacao, 2014. Resquicios, CAA. 2014. Panorámica: Arte emergente en Venezuela, 2000/2012, Sala TAC, 2014.

Para más información por favor comunicarse con los siguientes contactos:

Gerardo Rojas
gdorjs@gmail.com
Instagram: @desnaturalización
0412.317.7716

Carmen Araujo Arte
www.carmenaraujoarte.com
Teléfonos: 0212.419.82.63 | 0212.943.39.79
Facebook: Carmen Araujo Arte | twitter: @caraujoarte | info@carmenaraujoarte.com

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