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GRILLA
DE PROGRAMACIÓN
ALEMANIA
CONTRASENTIDO
22 y 23 de marzo en el Teatro de la Asociación Cultural
Humboldt en San Bernardino 5:00 p.m.
LA
DANZA NO ES UN CONTRASENTIDO CON HABILIDADES MIXTAS
Las
abismales distancias geográficas, pero también
culturales, artísticas y sociales en el mundo actual,
no son óbice para que el arte de la danza intente aproximaciones
para públicos igualmente distantes aunque unidos con
la indiscutible capacidad de comunicación, a través
del lenguaje de los cuerpos. Es la oferta del grupo alemán
CONtraSENTIDO que para orgullo del público venezolano
tiene un ingrediente nacional en la presencia del bailarín
Alexander Madriz.
Se
define CONtraSENTIDO (Transformaciones II) como Danza
Contemporánea de Habilidades Mixtas, producida por
la agrupación alemana DIN A 13 Tanzcompany y el colectivo
AM Danza de Venezuela. El viernes 22 y sábado 23, a
las 5:00 pm en el teatro de la Asociación Cultural
Humboldt en San Bernardino, con un espectáculo que
tiene mucho que ver con su rico itinerario que por el mundo
y en plan de búsquedas ha cumplido su líder
la coreógrafa alemana Gerda Koning, el cual enlazará
Sri Lanka, Líbano, Alemania y Venezuela.
El
planteamiento dancístico parte de interrogantes: ¿Cómo
reacciona una persona cuando su entorno cambia y ya no le
proporciona más la seguridad acostumbrada? ¿Cuán
frágil le parece su propia existencia? ¿Cuánta
energía creativa es generada y qué fuerzas insospechadas
son liberadas, cuando lo conocido, o lo propio, se transforma
y lo diario puede convertirse súbitamente en una amenaza?
Bajo estas premisas surge esta dinámica propuesta de
danza más allá de los límites, que reúne
a seis bailarines venezolanos con diferentes fisicalidades,
bajo la dirección de la coreógrafa germana Gerda
König y el bailarín venezolano Alexander Madriz,
quien fundara originalmente Tránsito Danza con una
vívida experiencia en el trato con personas con discapacidades
físicas.
Los
bailarines Jorge Ansidey, Fabiola Zérega, Alejandra
Peña, Julio Loayza, José Conde y María
Fernanda Castillo, Tránsito Danza antes de fusionarse
con la compañía de Gerda Koning, dan vida a
un espectáculo que explora el concepto de transformación
e invita a la reflexión. Guerras, situaciones extremas,
enfrentamientos sociales, violencia verbal son los ingredientes
que enriquecen la creación coreográfica que
han sido tomados de escenarios donde estos artistas han investigado
intensamente.
La
DIN A 13 Tanzcompany nació en la década de los
90, institucionalizando, si se quiere, la disciplina artística
de la danza de habilidades mixtas en el campo de la danza
profesional en la nación germana. El trabajo de la
compañía se especializa en contextos interculturales,
creando así proyectos de enlace entre diferentes habilidades
físicas, culturas diversas e idiomas distintos. De
tal suerte, la DIN A 13 Tanzcompany ha trabajado en Brasil,
Kenia, Etiopía, Sudáfrica, Ghana, Senegal y
Sri Lanka.
La
primera estación de dicho proyecto tuvo lugar en Sri
Lanka, bajo el nombre de ChangeABLE cohesion. La pieza en
cuestión tiene el honor de haber sido nominada para
el Premio de Danza 2012 de la ciudad de Colonia.
Invitada
a Venezuela por el Goethe-Institut, la coreógrafa Gerda
König, asistida, por su colega Gitta Roser, produjo su
segunda estación junto a AM Danza de Habilidades Mixtas
de Venezuela, como parte de un taller de ocho semanas. Así,
CONtraSENTIDO, se lleva a cabo en Sri Lanka, Venezuela,
el Medio Oriente y Alemania. La rica experiencia dancística
alemana se ha hecho sentir en ediciones anteriores del Festival
Internacional de Teatro; la iluminación, vestuario,
apoyatura audiovisual y música que acompañarán
la puesta del elenco visitante pertenecen al reino del misterio
y las expectativas que los anteceden.
CONtraSENTIDO
podrá ser vista dos únicas
funciones, 22 y 23 de marzo, a las 5:00 pm, en
la Asociación Cultural Humboldt (San Bernardino) y
las entradas pueden adquirirse en las taquillas del teatro
o a través de www. Solotickets.com a un valor de Bs.
225+ Iva. Mayor información puede ser solicitada a
través de la cuenta de facebook: FitCaracas, twitter:
@FitCaracas y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
ESPAÑA
MEDEA
23, 24 Y 25 de marzo en la Sala Cabrujas 5:00 p.m.
España
3 sólo para 20 espectadores por función
Una Medea a la carta para la de-construcción del mito
¿Cómo
hace el cuerpo para abrir espacios de comunicación
y diálogo? ¿Cuál es la función
del arte como lugar compartido? ¿Cómo es cuestionado
el espacio público a través de la intimidad
desvelada del espacio privado? ¿Qué nos revela
el mito? ¿Podemos en la actualidad re-presentar y encarnar
un mito? ¿Cómo crear una dramaturgia dentro
y fuera de la acción escénica que abra y sitúe
estas preguntas?
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A
más de dos mil cuatrocientos años de creada,
era lógico que Medea sufriera y viviera los embates
del tiempo, es decir, los retos que el arte mismo y su revisión
le imponen a toda obra grande, y la tragedia de Eurípides
lo sigue siendo. Es la propuesta que trae el FITc 2013 con
el grupo catalán que integran Esther Freixa i Ráfols
(actriz) y Toni Cots (director).
Se
titula "Medea(a la carta) Construcción y de-construcción
de un mito" y se presentará para un público
muy reducido (20 personas por función) en la Sala Cabrujas
los días sábado 23 y domingo 24,a las 5:00 pm
con un valor de Bs. 80.
Es
una propuesta escénica en torno al mito y de-construcción
del personaje de Medea, en la que se abre un espacio para
compartir un encuentro entre dos mundos: la contemporaneidad
y el mito. Un escenario muy íntimo en el que el cuerpo
sea una herramienta de análisis, comunicación
y debate acerca de la feminidad.
Es a la vez una reflexión sobre la teatralidad y la
representación de la intimidad. Está estructurada
en 4 piezas de unos 15 minutos de duración. Cada pieza
propone diferentes iconografías y arquetipos que nos
dan una mirada, una aproximación a Medea abriendo diversas
posibilidades y temáticas que constituyen una reflexión
sobre el cuerpo femenino y su entorno socio-cultural.
El
trabajo tiene como referentes elementos textuales (Medea Material
de Heiner Müller y God-Dog de Toni Cots), fílmicos
(Medea de Pier Paolo Pasolini y Medea de Lars Von Trier) y
narrativos (Las bodas de Cadmo y Armonía de Roberto
Calasso). Estos han servido de marco para la investigación
sobre cómo el cuerpo puede revelar, abrir o sugerir
diferentes aproximaciones al lenguaje teatral y a sus territorios,
con la mirada como punto de confluencia con el público.
Las
piezas
La primera pieza es una mirada íntima sobre la mujer
desde el personaje. La segunda pieza es una aproximación
contemporánea a la búsqueda de la identidad
femenina a través del propio cuerpo. La tercera pieza
entra en la mujer arcaica venida de una sociedad matriarcal
y como se contrapone a la sociedad actual que se proyecta
desde la mirada masculina. La cuarta pieza es fruto de las
otras tres. Un punto de llegada y de partida para generar
un espacio de intimidad que permita abrir nuevas miradas sobre
el hecho escénico y establecer una relación
con el público. Cada 2 piezas se abre un diálogo
con el espectador para poner en común impresiones y
reflexiones que se hayan podido generar. Cada pieza tiene
una duración de 15 minutos y el espectáculo
puede durar entre dos y cuatro horas.
Tres
años de experiencias y vivencias con Medea (a la carta)
en casas y espacios particulares de España, Italia
y Alemania. Su creadora y actriz, Esther Freixa i Ràfols
posee una amplia trayectoria en la docencia teatral y en la
creación artística en La Fura dels Baus, Dulce
Compañía, Meg Stuart, Roger Sala Reyner y La
Reial, mostrando realizando presentaciones en Inglaterra,
Berlin, Amsterdam y España. Desde mayo del 2011 participa
en el Laboratorio Memoria residual y prácticas colaborativas
con Toni Cots en CRA'P (Mollet del Vallès), al mismo
tiempo trabaja para buscar líneas pedagógicas
que permitan la transmisión del conocimiento sobre
el propio cuerpo y el hecho creativo a través de clases,
talleres y cursos diversos. Justamente esn Mollet, valle de
la provincia catalana ha desarrollado en los últimos
seis años en una serie de instituciones (La Bombeta,
Serradora y CRA'P), un talleres de formación prácticas
de creación artística para el teatro..
Por
su parte,Toni Cots actor, autor y director. Se formó
en la secada de los setenta en el Teatro de Barcelona, además
de prácticas de danza contemporánea en Barcelona,
Londres y Oslo. Perteneció por una década al
Odin Teatret (Dinamarca), para luego trasladarse a la Escuela
Internacional de Antropologia Teatral ISTA, en la década
de los 80. Como autor y director crea en 1984 la plataforma
de artes escénicas BASHO, con la que dirige y produce
numerosos espectáculos y eventos en diferentes partes
del mundo. Ha sido director artístico del Festival
Internacional de Teatro de Sitges, Barcelona (1987-1990);
productor/director artístico del "Teatre obert"
en Barcelona (1989-1991), del "The European Theatre"
en Copenhague (1994-1996).
Entre
1997 y 2000 crea y dirige en Copenhague el proyecto socio-cultural
'Borderland', sobre el exilio y los refugiados. Entre el 2001
y 2010 ha sido coordinador y co-director artístico
de L'animal a l'esquena situado en Celrà (Girona).
Entre el 2007 y 2010 dirige el Master MACAPD (MA in Contemporary
Arts Practice & Dissemination) en colaboración
con la Universidad de Girona. Es miembro fundador de CRA'P
- pràctiques de creació i recerca artística
en Mollet.
Esta
inusual experiencia teatral que encierra "Medea(a la
carta) Construcción y de-construcción de un
mito" podrá disfrutarse solamente para 20 espectadores
por función en la Sala Cabrujas de Cultura Chacao,
C.C. El Parque, Nivel C-1, Av. Francisco Miranda con 3ra.
Av. de los Palos Grandes los días 23 y 24 de marzo,
a las 5:00 p.m. Las entradas pueden ser adquiridas directamente
en la sala. Mayor información puede ser solicitada
a través de la cuenta de facebook: FitCaracas y de
twitter: @FitCaracas y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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LA
QUIMERA DE PLÁSTICO 29 y 30 de marzo en el Teatro César
Rengifo en Petare 4:00 p.m.
LA
QUIMERA DE PLÁSTICO TRAE ALEGATOS A FAVOR DE LAS MUJERES
Con
el vigoroso auxilio artístico de Dario Fo y Franca
Rame, el Teatro español La Quimera de Plástico
se presenta en el FITc 2013 con dos certeras piezas que le
hablan a las mujeres y sus maltratadores, "Una mujer
sola" y "El Despertar" en el Teatro
César Rengifo en Petare, del 29 al 31 de marzo, a las
4:00 pm a un costo de Bs. 80.
Dirigida
por Tomás Martín y con la actuación de
la versátil actriz cubano-española Selma Sorhegui,
el elenco vallisotelano (de Valladolid) recoge los frutos
de treinta años de celebrada actividad artística
con una "tragicomedia" en la que la comicidad
y lo disparatado de las situaciones encubre la "tragedia"
cotidiana de la mujer enfrentada a sí misma y a la
dualidad de sus papeles como esposa-madre y trabajadora.
Dario
Fo, Premio Nóbel de Literatura, considerado un juglar
decididamente subversivo, insurgió contra las injusticias
sociales y el poder en Italia al cual desafíó
con las destrezas de la buena escritura y posiciones personales.
"Muerte accidental de un anarquista", "El
dedo en el ojo", "Séptimo, roba un
poco menos", "Razono y canto", "No
se paga, no se paga" y "Misterio bufo"
son algunas de las obras que escribió y luego produjo
con su esposa Franca Rame cuya genealogía en las tablas
se remonta al 1600.
"En
resumen", dice Tomás Martín, cuya puesta
le ha valido clamorosos elogios de la crítica española,
"dos mujeres en dos situaciones muy diferentes canalizan
este alarde interpretativo de Selma Sorhegui en el escenario,
que hemos querido presentar de forma continuada, a pesar de
mantener la propia estructura dramática de cada una
de las obras sin otro hilo conductor que las propias capacidades
de la actriz y el tratamiento del espacio escénico".
Estas
dos piezas sobre el universo femenino se estarán presentando
del 29 al 31 de marzo en el Teatro César Rengifo ubicado
en el casco histórico de Petare. Las entradas pueden
adquirirse en las taquillas del teatro de miércoles
a domingo de 1:00 a 4:00 pm y en el portal www. Tuticket.com.
Mayor
información puede ser solicitada a través de
la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
VENEZUELA
RÍO
TEATRO CARIBE 22 y 23 de marzo en el Teatro César Rengifo
4:00 p.m.
EN
RÍO CARIBE EL SEXO ES UNA TRANSACCIÓN COMERCIAL
Empatucada
de sexo, por el lenguaje, los contenidos, el verbo y el desafío
moral, el Teatro Río Caribe pone las cartas sobre la
cama para establecer un juego ético sin alcabalas de
pudor. Sexo es igualmente una confluencia de talentos suficientemente
atractivos para el público: la dirección de
Marcel Rasquin , laureado director de cine por "Hermano",
compartida con Francisco Denis, las actuaciones de Prakriti
Maduro, Susana López y Karina Velásquez, y el
texto del director y dramaturgo alemán René
Pollesch.
Lo
que se concibe como teatro de vanguardia, teatro multimedia
y teatro experimental, será sometido al (pre)juicio
del público los días 22 y 23 en el Teatro César
Rengifo de Petare a las 4:00 pm. "Sexo no es una
obra de teatro. Es un texto que debe ser usado como instrumento",
palabras del autor. Estrenada en 2009, la obra fue merecedora
de tres premios Municipales de Teatro: Mejor Música,
Mejor Escenografía y Mejor Actor (Francisco Denis).
Pollesch es director de la sala experimental de la Volksbühne
de Berlín y trabajo estrechamente con Denis sobre la
comprensión del texto y sus diversas aristas de interpretación,
además de indagar sobre la puesta en escena. Como producto
de este encuentro, Pollesch decide otorgar los derechos de
su obra a la agrupación Río Teatro Caribe, una
de las pocas que cuenta con este privilegio en América
Latina.
Lo
que sigue es la crudeza sin concesiones. Con este montaje,
Río Teatro Caribe hace de la escena una disertación
filosófica sobre cómo las relaciones contemporáneas
están basadas en la economía. Una tesis sobre
sexo y dinero, llevada al público de una manera atractiva,
multimedia e impredecible. Y se pregunta: ¿Qué
tan parecidas pueden llegar a ser nuestras relaciones de sexo
y amor a las ofrecidas en un burdel? ¿Compramos y vendemos
nuestros sentimientos?
Las
actrices más que encarnar personajes, se transforman
en la mente y el corazón de putas, esposas, novias,
esclavas, feministas y machistas... se expresan con franqueza
reduciendo el sexo a una transacción comercial y reconstruyéndolo
como la razón de relacionarse. Las revelaciones de
las tres mujeres son captadas y expandidas por una cámara
en vivo que le da carácter de voyerista al público.
Sexo
se estará presentando el 22 y 23
de marzo en el Teatro César Rengifo ubicado
en el casco histórico de Petare. Las entradas pueden
adquirirse en las taquillas del teatro, con un valor de Bs.
50, de miércoles a domingo de 1:00 a 4:00 pm y en el
portal www. Tuticket.com. Mayor información puede ser
solicitada a través de la cuenta de facebook: FitCaracas
y de twitter: @FitCaracas y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
RENÉ
POLLESH
Se
le considera un niño maldito de la escena berlinesa.
René Pollesch, además de director de la sala
experimental de la Volksbühne, programa la sala Prater,
el espacio más experimental de la Volksbühne,
el búnker estatal de la renovación estética
de la fascinante. Recibió varios premios y galardones:
Beca de la Academia Schloss Solitude en Stuttgart 1997; Premio
de Dramaturgia de Mülheim 2001; Mejor Dramaturgo alemán
según la encuesta a críticos teatrales de la
revista "Theater Heute" en 2002; Premio del Público
y Premio de Dramaturgia de Mülheim 2006.
La dramaturgia de Pollesh se trata de un teatro enfático,
fanáticamente histérico y teórico; un
teatro de los cortocircuitos intelectuales y del exacerbamiento
intelectual. Y dos de sus obras editadas en castellano, "Sexo..."
y "Heidi Hoh ya no trabaja aquí", lo
confirman.
"Existe,
de hecho, en la sociedad ", sostiene René
Pollesh, "una unión entre dinero y amor que permanece
oculta. Y como eso existe, lo que necesitamos es dar cuenta
de esa relación, que aparece justamente en los vínculos
más tradicionales en los que el hombre es el que trae
el dinero y la mujer es la que cuida a los chicos. Esto también
es aplicable al sexo porque la mujer mantiene relaciones sexuales
acambio de ser mantenida, algo instalado en buena parte de
la sociedad como algo no dicho. Lo que hacemos nosotros es
formalizar eso. También se dice que el dinero destruye
al amor. Nosotros nos negamos a eso. O decimos: "No
necesariamente".
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MI
MADRE, SERRAT Y YO 22, 23 y 24 de marzo en la Sala de Conciertos
de BOD Corp Banca Centro Cultural de La Castellana 8:00 p.m.
y Dom 6:00 p.m.
CUANDO
SERRAT NOS CANTA SU HIMNO PERSONAL
Tarde
o temprano la impronta de Joan Manuel Serrat y la poesía
que emite su encantadora vez hallarían eco e inspiración
en el teatro, y Venezuela, caro escenario del catalán
maravilloso, no podía ser la excepción. La comedia
de Carlos De Matteis sedujo a las actrices Julie Restifo y
Samanta Dagnino quienes en complicidad con el director Daniel
Uribe y Guillermo Carrasco en los arreglos musicales, asumieron
"Mi madre, Serrat y yo". Cita en la Sala
de Conciertos de BOD Corp Banca Centro Cultural de La Castellana
el 22 y 23 de marzo, a las 8:00 pm dentro de la programación
2013 del FITC.
La relevante y prolífica producción del cantautor
hace posible que tenga palabras y música para cada
momento de la vida de dos mujeres enfrentadas ante sus respectivas
vidas. A veces estribillos simplemente, a veces un título,
otras un par de versos de Machado o Hernández con la
música del Juglar Joan Manuel Serrat dan marco al divertido
y emotivo encuentro entre la madre y la hija.
Lucí
(Julie Restifo), la madre, adora a Serrat y sus canciones.
Lo conoció en Buenos Aires. Es escritora de cuentos
infantiles y vive en España desde el 76. Está
casada y separada de Fernández, exitoso entrenador
de fútbol con el que mantiene una relación entrañable,
solidaria y divertida. Penélope (Samanta Dagnino) es
profesora de canto y dirige un coro, convencida de que su
voz es fea. Es maniática del orden y culpabiliza a
su madre de todos sus males. Y en particular a la influencia
de las ideas y canciones de Serrat en su vida. Desde que Penélope
se caso con JoseMari (el farmacéutico) se ha distanciado
de su madre y del canto. La acción comienza cuando
Penélope se separa de JoseMari y viene a vivir con
su madre. Allí entre fragmentos de canciones de Serrat,
situaciones hilarantes y conflictivas, ambas mujeres nos conmueven
con una relación plena de amor y humanidad que permite
que Penélope debute como solista y algunas sorpresas
más...
Tanto
Julie como Samantha se desenvuelven con humor en el escenario
y marcan un ritmo frenético, interrumpido por las canciones
de Serrat. Éstas sirven para homenajear por un lado
la figura de aquella madre divertida que en su momento no
lo era tanto. También para dejar constancia de diferentes
épocas sobre el escenario. Un tiempo para adoptar la
música como himno personal. Otro tiempo de crisis y
toma de conciencia sobre la propia libertad a la hora de tomar
decisiones difíciles. Un tiempo para crecer y asumir
la propia individualidad. Un tiempo para la nostalgia y el
recuerdo, ya sea con intención de homenajear al famoso
cantautor, o de contarnos con humor cómo a veces los
saltos generacionales reflejan maneras opuestas de concebir
la rebeldía (según lo que nos haya tocado vivir),
y lo más importante, dejar constancia de la posibilidad
de lograr un acercamiento en tiempos difíciles, más
allá de las diferencias personales. Entrada general
Bs. 150,00, las cuales están a la venta en www.ticketmundo.com
y en la taquilla del Centro Cultural BOD Corp-Banca.
Mayor
información puede ser solicitada a través de
la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de htp://fitcaracas.blogspot.com/
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HIGH
(Alto) 22 Y 23 de
marzo en la Sala de Conciertos de BOD Corp Banca Centro Cultural
de La Castellana 8:00 p.m.
SEXOSENTIDO
SE ARRIESGA CON LA MORAL Y LA RELIGIÓN
Un
coctel explosivo en la escena. Una monja alcohólica,
un trabajador sexual y un cura atormentado. High (Alto) tiene
lecturas muy interesantes en varios niveles y Lazo Producciones
demuestra con HIGH que un "drama duro" y muy serio
puede convertirse también en un éxito comercial
en el sentido de aceptación del público y no
en el beneficio mercantil que el término conlleva.
Es
su propuesta en la edición 2013 del FITC. Funciones
en 22 y 23 de marzo, a las 10:00 pm y domingo 24 a las 8:00
pm en la Sala de Concierto BOD Corp Banca Centro Cultural.
La
obra de Matthew Lombardo producida por Mimi Lazo y dirigida
por Luis Fernández se caracteriza por la calidad del
montaje, una banda sonora de gran potencia, una puesta en
escena brillante con un dispositivo escenográfico arquitectónico
y muy poco usual en la producción teatral contemporánea
del país y sentido de riesgo.
Unas
extraordinarias actuaciones del elenco compuesto por Carlota
Sosa como la monja alcohólica, en la que muchos llaman
la mejor interpretación de su carrera, Christian McGaffney
como el trabajador sexual adicto a las drogas, revelándose
con una interpretación demoledora, pocas veces vista,
y el propio Fernández como el cura atromentado por
sus culpas y fallas humanas. Reto a la moral.
El
texto de Lombardo no ha podido encontrar mejor marco para
cobrar vida y explotar en un original planteamiento escénico
que deja al público impactado y sin palabras. Entradas
en las taquillas del teatro y en el portal www. Ticketmundo.com
y sus puntos de venta en el CCT, Sambil, Tolón, Centro
Plaza y Metro kiosco estación Plaza Venezuela. Mayor
información puede ser solicitada a través de
la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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GOYA
23 Y 24 de marzo en la Sala Rajatabla 7:00 p.m.
Los
sueños goyescos producen monstruos y escándalo
En
un salón de conferencias, una loca maravillosa se desdobla
para relatar su proyecto de vida, el cual consiste en gastarse
todos sus ahorros en una sola noche de farra, consumiendo
arte, drogas y alcohol, acompañada de un filósofo
alemán y de unos emparedados de tortilla. Es "Goya"
y ya verán por qué, cuando Fedora Freites
vaya develando la trama los días 24 y 25 de marzo,
a las 7:00 pm en la Sala Rajatabla.
En
un texto hipermodernista en el que una fanática deportiva,
decide gastarse los 5.000 euros que ha acumulado a lo largo
de una vida con el objetivo de llevar a sus dos hijos a ver
los cuadros de Goya expuestos en el Prado, a falta de Disney
World, entrando en el museo como asaltantes, rompiendo por
la noche un cristal y llevándose unos cuantos gramos
de cocaína para continuar la farra.
Es
la versión libre e intimista de Vladimir Vera a partir
del texto del dramaturgo español Rodrigo García
con la que la agrupación venezolana Teatro Forte participará
en el FITC 2013. La actriz Fedora Freites, las video-intervenciones
de Salomón Eidelman, y la musicalización de
Valeria García (ex vocalista de Sur Carabela), dan
vida a una comedia que aborda temas como: la cultura pop,
el consumismo, y la caída de los grandes axiomas que
sostienen a la sociedad moderna. La pieza incorpora a figuras
artísticas nacionales e internacionales a través
de sus testimoniales, como Javier Vidal, Verónica Ortiz,
Claudia Nieto, Luis Chataing, Abril Schreiber, Paul Gámez,
Migle González, Arlette Torres, el director de cine
español Joan Marimon y el dramaturgo catalán
Carlos Bé.
El
montaje, para públicos no curados de sorpresa y sonrojo,
incluye una exposición organizada por el reconocido
fotógrafo y artista plástico venezolano Nelson
Garrido, cuyas piezas han sido seleccionadas del trabajo presentado
durante la controversial muestra Sexpo Masturbable. Las fotografías
de penes eyaculando, mujeres masturbándose y genitales
con piercings no deben ser son motivo de escándalo,
pero el pudor es libre.
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LA
LUPE 25 de marzo en el Teatro Chacao 8:00 p.m.
LA
LUPE ES PURO TEATRO
Los
melómanos recuerdan y atesoran un long play (discos
de larga duración, hecho en vinyl, con 12 canciones)
donde el gran Tito Puente sonríe con La Lupe; es la
sonrisa que invita al desbocamiento del baile en el viejo
pick up en la sala de la casa. En la televisión blanco
y negro La Lupe llegaba al paroxismo lanzando los zapatos
al aire y estremeciendo a las grandes audiencias. La Lupe
como la Guillot como Celia Cruz, como Machito, forma parte
del patrimonio musical que a manera de son se fue de Cuba
en uno de los portentos migratorios más célebres.
La Lupe vuelve a escena en la edición 2013 del FITC
personificada por Mariaca Semprún en un espectáculo
que recuerda a una mujer excitante, vaporosa, sensual y trágica.
¿Se le puede pedir algo más al bolero?
"La
Lupe, la reina del desamor ", concebido como
unipersonal, se presentará el lunes 25 en el Teatro
Chacao, a las 8:00 pm, bajo la dirección de su autor
Gabriel Díaz, dramaturgo emergido de las tablas del
Grupo Rajatabla y residenciado en Alemania, donde ha consolidado
su carrera como escritor y director de piezas teatrales y
musicales como: "The Black Rider, "Man Von La Mancha",
"Cage Aux Folles" y "Zwei wei Bonnie und Clyde".
La obra cuenta y canta la historia de una diva de los años
50´, cargada de sentimiento y diversión, al ritmo
del soul, salsa y guaguancó. La Lupe, también
conocida como "la Reina del Latin Soul",
se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos
locales habaneros, luego de que su carrera como maestra exigida
por su padre, llegara a su fin.
La
obra pone al desnudo el estilo desafiante, lacerante y alocado
de la cantante cubana en el escenario, que llegó a
molestar hasta a Fidel Castro, su transformación de
santera a ferviente cristiana, y su muerte en la pobreza.
Se
mezclan elementos reales y ficticios sobre la vida accidentada
de La Lupe, que estuvo en la cima de la popularidad y del
bienestar económico, para caer en el abismo y en el
más horrendo olvido, debido al vicio.
Con
una banda musical completamente en vivo y entre canciones
tan populares de La Lupe como: "Qué te pedí"
"Puro Teatro", "La Tirana",
"Fever" entre otras, se cuenta una historia
trágica y llena de vida de una mujer irreverente y
sin igual. Es un recorrido en su historia y su camino entre
risas y desesperación.
La
actriz Mariaca Semprún, quien viene de desempeñar
el papel de "La novicia rebelde", se mueve en una
escenografía diseñada por Armando Zullo y la
iluminación de José Jiménez. La producción
y dirección musical tienen la firma de Santos Palazzi.
La banda musical está compuesta por Leowaldo Aldana
(percusión), Hildemaro Álvarez (teclados), Jesús
Milano (contrabajo) y Freddy Solarte (violín).
"La Lupe, la reina del desamor", se
presentará el lunes 25 de marzo, en el Teatro de Chacao,
ubicado en el Centro Cultural Chacao, Avenida Tamanaco, El
Rosal. Las entradas, con un valor de Bs. 160, pueden ser adquiridas
en la taquilla del teatro de martes a domingo, de 10:00 a.m.
a 7:00 p.m., o a través de www.ticketmundo.com, y sus
puntos de venta en el CCT, Sambil, Tolón, Centro Plaza
y Metro kiosco estación Plaza Venezuela. Mayor información
puede ser solicitada a través de la cuenta de facebook:
FitCaracas y de twitter: @FitCaracas y a través de
http://fitcaracas.blogspot.com/
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LA
LUNA Y EL NIÑO 24 Y 25 de marzo en el Teatro César
Rengifo de Petare 4:00 p.m.
LA
LUNA Y EL NIÑO JUEGAN UN JUEGO QUE NADIE VE
La luna le roba la sombra a un niño para que éste
le invente palabras. El niño no entiende: las palabras
ya existen, alguien las inventó todas hace mucho tiempo.
Pero desconoce que lo que la luna quiere enseñarle
es que las palabras se inventan cuando les inventamos significados,
cuando jugamos con ellas. "La luna y el niño
juegan un juego que nadie ve" es un collage teatral
de poemas, cuentos y canciones para niños. Y es la
oferta del teatro La Bacante en el FITC 2013 tendiente a refrescar
y renovar el manido repertorio que por muchos años
se ha hecho para los niños, lo cual no es fácil.
Funciones en el Teatro César Rengifo de Petare, el
lunes 25 de marzo, a las 4:00 pm a un costo de Bs. 50.
Esta
sencilla pero tierna anécdota entre la luna y un niño
se construye gracias a los versos de Mariano Brull, Federico
García Lorca, Jairo Aníbal Niño y Eduardo
Polo; y desencadena el recorrido por tres cuentos: Edmundo,
el primer vagabundo del mundo, El zarcillo colgante de la
elegante mujer gigante y El cortejo del cangrejo Alejo; historias
que aspiran sembrar en los niños el amor por las metáforas,
la poesía, el vuelo de la imaginación y el juego.
Éste es un montaje versátil que puede ser ejecutado
en espacios convencionales: teatros a la italiana, anfiteatros,
salas practicables, de usos múltiples, auditorios;
así como en espacios no convencionales, siempre que
se garanticen las condiciones para que los intérpretes
y los espectadores puedan establecer una comunicación
eficiente.
Sainma
Rada es la luna, Oswaldo Maccio es el niño, la asesoría
coreográfica es de María Claret Corado y la
producción de Karla Fermín. Dramaturgia original:
Maribel Anaya y Oswaldo Maccio, Asistencia de dirección
y participación especial: Daniela Corredor, Selección
musical y puesta en escena: Oswaldo Maccio.
Teatro
La Bacante: una breve semblanza
El
Teatro La Bacante inicia sus actividades en 1992, a partir
de tres áreas fundamentales: creación, formación
e investigación que les permita abordar el teatro desde
la búsqueda y la experimentación metódica
sobre el proceso creativo del intérprete, partiendo
no sólo del texto dramático preliminar, sino
de distintas fuentes que, como la poesía, la danza
y el canto, que inspiraran su propia dramaturgia, basada en
las claves fundamentales del texto performativo. "Estudiando
a fondo los principios que rigen el comportamiento del actor
en escena, las leyes de la dramaturgia que surge del propio
material del intérprete (dramaturgia del actor), nos
hemos orientado durante veinte años de intensa labor,
hacia la consecución de un lenguaje teatral propio
que nos permita compartir con el colectivo una experiencia
viva".
Durante
su fructífera existencia el Teatro La Bacante ha armado
un repertorio diverso temáticamente que ya alcanza
trece obras, contando entre sus directores a Diana Peñalver,
Ignacio Márquez, Anabel Lorca, Beto Benitez, Madelén
Simó y Marco Suniaga. El montaje La luna y el niño
juegan un juego que nadie ve ha realizado temporadas en Teatro
Luis Peraza, Teatro César Rengifo y UNEARTE.
"La luna y el niño juegan un juego que nadie ve"
se estará presentando el 25 de marzo en el Teatro César
Rengifo ubicado en el casco histórico de Petare. Las
entradas pueden adquirirse en las taquillas del teatro de
miércoles a domingo de 1:00 a 4:00 pm y en el portal
www. Tuticket.com. Mayor información puede ser solicitada
a través de la cuenta de facebook: FitCaracas y de
twitter: @FitCaracas y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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TET
TIERRA SANTA 26 de marzo en Los Caobos 4:00 p.m.
VIAJE
A LA TIERRA SANTA CELEBRA 40 AÑOS DEL TET
En
la Tierra Santa todo viaje parece un encuentro, o reencuentro,
de seres que el destino colocó en diásporas
y azares marcados por hechos inverosímiles pero decididamente
humanos. Es el tema con el que el Taller Experimental de Teatro
celebra sus fecundos cuarenta años de actividad artística
y para cuyo montaje ha reunido a un impecable equipo artístico
y de producción. Elio Palencia como dramaturgo y Costa
Palámides en la dirección, y Guillermo Díaz
Yuma, Ludwig Pineda y Yazel Parra en las actuaciones. "Tierra
Santa" es el obsequio del TET para el público
del FITC 2013 el martes 26 de marzo, a las 4:00 pm en el Teatro
César Rengifo de Petare.
"Tierra
Santa", un viaje de ida y vuelta a nuestra tierra
de gracia, un drama contemporáneo para vernos mejor.
Un boleto está al alcance de su mano para ir como por
una escalera de peldaños que bajan para subir después.
"Tierra Santa" es la historia de dos hermanos que
se reencuentran después de años de separación
y en el patio de la casa materna vuelven a enfrentarse con
el pasado y con la idea de reordenar sus vidas. Desde el aislamiento
al que se arrincona la paternidad con el paso del tiempo,
revisan sus vivencias y sus relaciones filiales llegando a
confesiones inesperadas.
La obra está plena de anunciaciones y visitaciones
en las cuales la cotidianidad adquiere un carácter
místico. La aparición sucesiva de una adolescente
encinta rompe muchas veces con situaciones humorísticas
cargando la escena de misterios e incertidumbres.
Detrás
de la palabra, el sol quema la tierra donde estos dos hombres
han sembrado de distinta manera sus actos y anuncia el tiempo
de una cosecha llena de revelaciones. El país, con
sus condiciones sociales y económicas, es mecido en
dos hamacas desvencijadas a través del verbo tajante
y perspicaz de un autor que logra que situaciones aparentemente
familiares desnuden imágenes mordaces de la Venezuela
actual.
La
obra cuenta con las actuaciones de Guillermo Díaz Yuma
y Ludwig Pineda en un aleteo de gallos viejos, uno mayor y
otro menor en un corral abandonado por esposas e hijos. La
juventud, embarazo y desconcierto, personificada por Yazel
Parra, se pasea en medio de un paisaje desoladoramente humano
y que está imbuido en el ruido estéril de celulares
y televisores. La tierra a veces se tiñe de desesperanza
y otras veces de santidad.
El
diseño de la escenografía es de Edwin Erminy,
el vestuario está firmado por Raquel Ríos. La
iluminación ha sido creada por Victor Villavicencio,
el diseño gráfico por Eduard Parúh y
la producción general está en manos de Karla
Fermín. El director Costa Palamides asume la puesta
en escena en su primera colaboración con uno de los
grupos emblemáticos del devenir teatral venezolano.
"Tierra
Santa" se estará presentando el 26 de
marzo en el Teatro César Rengifo ubicado en el casco
histórico de Petare. Las entradas pueden adquirirse
en las taquillas del teatro, con un valor de Bs. 50, de miércoles
a domingo de 1:00 a 4:00 pm y en el portal www. Tuticket.com.
Mayor información puede ser solicitada a través
de la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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MUERTE
ACCIDENTAL DE UN SUBVERSIVO 26 Y 27 de marzo en Los Caobos
7:00 p.m.
La
muerte accidental de un subversivo latinoamericano en Rajatabla
"Muerte
accidental de un anarquista" es quizás
la obra más conocida del dramaturgo italiano Dario
Fo. El contexto político social en el que se produce,
es el de una Italia en la que se desata una "estrategia
de la tensión" de clara tendencia fascista, que
consiste en provocar una fuerte represión de las fuerzas
progresistas, a través de varios atentados a lo largo
y lo ancho del país. Uno de los acontecimientos más
sangrientos es el de los atentados de Milán en 1969,
y en especial el que ocurre en un banco de Piazza Fontana.
El
sospechoso es un ferroviario que supuestamente se suicida
cayendo de una de las ventanas de la Jefatura de Policía
de Milán. El Teatro Rajatabla presenta la obra en versión
de Rodolfo Santana bajo el título de "Muerte
accidental de un subversivo latinoamericano",
los días 26 y 27 de marzo, a las 7:00 pm en su sede
permanente de Los Caobos, con la dirección de Rufino
Dorta.
Aunque
en la obra actúan seis personajes, en el fondo reconocemos
solo dos protagonistas antagónicos: un personaje múltiple
anunciado como Loco-Sospechoso - Juez - Obispo - Señor
con barba por un lado y el poder policial por el otro (Comisario
de la brigada política, Comisario Jefe, Comisario Pérez,
Comisario Herrera y Agente). Los cuatro personajes que representan
al poder policial, aparecen como cuatro matices de una misma
idea, cuatro caras de un mismo personaje, que actúan
y piensan de una manera tan parecida que el espectador o lector
de la obra puede llegar a confundirlos entre si.
Para
contar la historia del ferroviario Pinelli, Fo utiliza un
artificio que introduce en el prólogo. La historia
se presenta como un suceso que había ocurrido en 1921
en Estados Unidos. Sin embargo, Fo continúa diciendo
que "Para actualizar la historia, haciéndola al
tiempo más dramática, nos hemos tomado la libertad
de recurrir a uno de esos trucos que se suelen emplear en
el teatro: hemos trasladado la historia a nuestros días,
y la hemos ambientado, no ya en Nueva York, sino en una ciudad
italiana cualquiera…por ejemplo, en Milán.
" Al igual que en las películas, el autor advierte
que cualquier analogía con "sucesos y personajes
de nuestra crónica, el fenómeno deberá
atribuirse a esa imponderable magia constante en el teatro,
que en infinitas ocasiones ha logrado que incluso historias
disparatadas, completamente inventadas, hayan sido impunemente
imitadas por la realidad."
Fo
introduce también a una periodista en la segunda mitad
de la obra, como encarnación de los medios de comunicación.
Es un personaje que busca la verdad pero también la
noticia, se deja manipular y se encuentra un tanto descolocada
en medio del delirante y sorprendente ritmo de los acontecimientos.
Siguiendo
la tradición de los bufones de la corte o del fool
(loco) de Shakespeare, Fo crea el personaje protagonista que
a través de múltiples disfraces y escudándose
en su aparente falta de juicio, consigue decir y a la vez
descubrir la verdad respecto a la "muerte accidental
de un subversivo". ¿Estamos ante un loco,
ante un transformista, ante un fabulador? Estamos ante un
buscador de la verdad que sirviéndose de su inteligencia
y su capacidad de encarnar distintos personajes a través
de trucos de maquillaje o manos y barbas postizas, consigue
desmontar la falsa historia creada por la policía respecto
a las circunstancias de la muerte del operario de ferrocarriles.
El Sospechoso, el Loco, se transforma en Juez y Obispo y utilizando
el aparente poder que le conceden tales títulos, tanto
como el miedo de aquellos que se saben culpables, consigue
arrancarles la verdad.
Los
diálogos recuerdan a los de la Commedia dell'Arte y
el desarrollo lógico de sus contenidos tiene tintes
socráticos, que nos hacen rememorar los famosos combates
intelectuales de la República de Platón. El
Loco utiliza la pregunta como arma de doble filo, se sitúa
aparentemente en el lado de los policías para conseguir
su confianza y a través de ella las confesiones de
los mismos.
Es
importante resaltar que esta versión de Rodolfo Santana,
mantiene la misma esencia que la del dramaturgo original,
solo que la acerca más a nuestra idiosincrasia, sumergiéndola
en un contexto latinoamericano.
Mayor
información puede ser solicitada a través de
la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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LA
IMPORTANCIA DE SER FORMAL 26, 27, 28 Y 29 de marzo en la Sala
Cabrujas 5:00 p.m.
La
fina ironía de Oscar Wilde vuelve con La importancia
de ser formal
Amentia
Teatro, una de las compañías de más reciente
data en nuestro medio, presenta en la edición 2013
del FITC una pieza de postín y de elevadas exigencias
por su carácter de comedia sin par, "La
importancia de ser formal", una comedia de enredos
que critica las costumbres y la seriedad que reinaba en Londres
a finales del siglo XIX, burlándose de la frivolidad
de la sociedad victoriana. La misma es popularmente conocida
como La importancia de llamarse Ernesto y esta nueva versión
de un clásico en la escena mundial se presentará
en la Sala Cabrujas los días 28 y 29 de marzo, a las
5:00 pm.
Dicho montaje, bajo la dirección de J. Rene Guerra,
tiene como búsqueda principal una tensión entre
los ejes de lo clásico y lo contemporáneo, lo
que abre un espacio escénico donde las concepciones
estéticas no están delimitadas por una época
particular sino que explora una simbiosis entre el pasado
y lo actual. De igual manera y siguiendo la linea wildeana,
el trabajo actoral consiste en la ironización de los
prototipos, acentuando una búsqueda en la excentricidad,
el cinismo y el refinamiento.
"La
importancia de ser formal" ahonda en la necesidad
-en la sociedad victoriana pero también en la sociedad
actual- de mantener una doble vida; así nos encontramos
con personajes cliché, posados que juegan y pretenden,
mientras la sociedad es lo fundamental en sus vidas. Wilde
nos introduce en una historia de romances y mentiras, con
su particular forma de ver el mundo, regalándonos un
cúmulo de finas ironías, mordacidad, y una sátira
de la sociedad burguesa.
El
elenco lo integran los actores Alí Rondón, Pastor
Oviedo, Mabe Hernández, Susana López, Naia Urresti,
Ricardo Lira, Sandra Yajure y Reinaldo Lancaster. J. René
Guerra realizó además la producción,
la selección musical, el diseño de iluminación
y escenografía, y comparte créditos con Andreina
Villavicencio y Gabriela Montilla en el concepto del vestuario,
este último realizado por Siloe Guerrero y David Hernández.
Amentia
Teatro debutó con "El cuervo", con
temporadas en la sala Rajatabla y Teatro Luis Peraza en 2010.
Le siguió "Cadáver Exquisito"
en el marco del V Festival Mundial de Arte Corporal, en el
mismo 2010. En el año 2011 presentaron "BlaBlaBla
(Discurso Tóxico)", juego absurdo en clave
de movimiento, versión de "El cepillo de dientes"
de Jorge Diaz, participando con la misma en el Festival
Nacional e Internacional de Teatro y con temporadas en la
Sala Cabrujas, Unearte, Río Teatro Caribe, Teatro Principal
y Teatro Trasnocho. Seguidamente mostró "Ruta
en torso colectivo" en el marco del VI festival Mundial
de Arte Corporal. Finalizó el 2011 con la participación
en el Festival "Experiencia Beckett" con NO YO,
de Samuel Beckett. Actualmente Amentia Teatro está
enfrascada en la producción de "Lúcido",
de Rafael Spregelburd, y " La importancia de ser formal"
de Oscar Wilde.
Esta
producción nacional que se estrenará en el marco
del FITc2013 podrá ser vista del 27 al 29 de marzo,
a las 8:00 pm en la Sala Cabrujas de Cultura Chacao, C.C.
El Parque, Nivel C-1, Av. Francisco Miranda con 3ra. Av. de
los Palos Grandes. Las entradas con un costo de Bs.80 pueden
ser adquiridas directamente en la sala. Mayor información
puede ser solicitada a través de la cuenta de facebook:
FitCaracas y de twitter: @FitCaracas y a través http://fitcaracas.blogspot.com/
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CONTRA
EL PROGRESO 27 Y 28 de marzo en el Teatro César Rengifo
4:00 p.m.
Para
salvarse la humanidad tiene que estar contra el progreso
El
más elemental sentido común señala que
estar contra el progreso es una verdadera necedad…a menos
que esta se convierta en un lastre…para el progreso en
todos los órdenes de la humanidad. Escena de Caracas,
munida del polémico texto de Esteve Soler, presenta
en el FITC 2013 los días 27y 28, a las 4:00 pm una
controversial y laureada pieza en el Teatro César Rengifo,
"Contra el progreso".
En
el montaje de Juan José Martín, se establece
la premisa: El progreso es del humanismo, en su sentido más
positivo y profundo. Pero también alude al progreso
de toda aquella invención humana que ha terminado por
dársele la vuelta e ido en su contra: las religiones,
que se inventaron para dotar de un sentido moral y espiritual
a las personas, y que han terminado por convertirlos en fieras
irracionales y supersticiosas; contra las ideologías,
que debían organizar a la sociedad y han terminado
por crear rebaños vociferantes y desalmados; contra
la economía, que sirvió para impedir guerras
y administrar los bienes comunes y privados y ha terminado
creando seres voraces en pos de una deidad llamada dinero;
y así: contra la política, el arte, la educación.
Estas
miniaturas de Soler están cargadas de ironía
y de horror, de fantasía y poesía, de imágenes
enigmáticas y contundentes, pero también, y
sobre todo, de esa realidad llena de monstruos engendrados
por la "buena voluntad", esos que se expresan en
la cotidianidad de una conversación matinal en una
oficina, en una acera, en una esquina, o en el aula de un
parvulario de cualquier ciudad.
"Séptico" se estará presentando
los días 27 y 28 de marzo en el Teatro César
Rengifo ubicado en el casco histórico de Petare. Las
entradas, a un valor de Bs. 50 pueden adquirirse en las taquillas
del teatro de miércoles a domingo de 1:00 a 4:00 pm
y en el portal www. Tuticket.com. Mayor información
puede ser solicitada a través de la cuenta de facebook:
FitCaracas y de twitter: @FitCaracas y a través de
http://fitcaracas.blogspot.com/
SOBRE
EL AUTOR
Steve Soler es licenciado en Dirección y Dramaturgia
por el Institut del Teatre. Entre sus obras, encontramos Runes,
Jo sóc un altre!, estrenada en el Teatre Nacional de
Catalunya; Davant de l'home, una dramaturgia sobre textos
de Thomas Bernhard, realizada dentro del programa "Ensayos
abiertos" del Teatre Lliure; y Contra el progrés,
presentada en la Sala Beckett durante la temporada 2008-2009.
Este último texto fue seleccionado entre 646 trabajos
de autores europeos para participar en el Theatertreffen,
el principal festival de teatro alemán, Y posteriormente
se estrenó en el Bayerischen Straatsschauspiel de Munich.
Durante la temporada 2009/2010 también se estrenará
en Atenas y Suiza. El texto también se ha presentado
en el prestigioso festival francés de La Mousson d'Été
2009, en una selección de las mejores obras a nivel
internacional. Esteve Soler ha traducido dos obras de Sarah
Kane: Les psicosis de les 4'48 y Purificats. Como periodista,
ejerce de comentarista cinematográfico en el periódico
Regió 7, y es miembro del consejo de redacción
de la revista teatral Pausa.
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LA
RATONERA Sáb 30 8:00 p.m. y Dom 31 a las 6:00 p.m.
de marzo en
el BOD Corp Banca Centro Cultural de La Castellana
EL
SUSPENSO INGLÉS VIENE CON AGHATA CHRISTIE
El
crimen, la sospecha, el suspenso y la flema inglesa tienen
un espacio en el FITC 2013. El misterio comienza con algo
inusitado, Nohely Arteaga y Catherina Cardozo, actrices que
cuentan con el favor del público, son las encargadas
de poner los muertos en la obra "La Ratonera", que
será vista los días 30 y 31 de marzo en los
Espacios de Arte P.H del BOD Centro Cultural Corp Banca y
donde Arteaga, misteriosamente, no aparece ni como inculpada
ni como inocente.
Considerada la obra de teatro más famosa de Agatha
Christie fue estrenada en 1952 en Londres en donde con mucho
éxito ha permanecido en cartelera ininterrumpidamente
con un record inusitado de más de 24 mil representaciones.
Es una obra perteneciente al subgénero de la novela
policial, una obra de suspenso cargada de humor e intriga
con un lenguaje muy inteligente y cautivador. Nohely Arteaga
y Catherina Cardozo, mujeres con una gran experiencia en las
tablas como actrices y productoras, se unen para emprender
el gran reto de producir "La Ratonera", con el siguiente
elenco: Malena González, Gerardo Soto, Nacho Huett,
Flor Elena González, Stephanie Cardone, Gonzalo Velutini,
Ignacio Marchena, Manuel Salazar, Catherina Cardozo y Augusto
Galindez.
Los
personajes se mueven en una escenografía diseñada
por Enrique Bravo y realizada por Jesús Requena y Enrique
Bravo, autor también de la música; con diseño
de vestuario de Raquel Ríos y Ana Karina Avila, el
diseño de la iluminación y coach actoral son
de José Tomas Angola. Dirección general, Vladimir
Vera
La
historia se desarrolla en los años 50 en Londres. Una
joven pareja decide montar una pensión de huéspedes
en una casa heredada, la Mansión Monkswell, ubicada
en un pueblito cercano a Londres, a donde llegan a hospedarse
cinco personajes bien disímiles entre sí. El
día de su llegada cae una gran nevada en la ciudad
que los mantiene atrapados en la mansión. Al día
siguiente, llega un policía a la Mansión Monkswell
a anunciar a los huéspedes que han asesinado a una
mujer en la Culver Street de Londres y que de acuerdo a las
investigaciones, el presunto asesino se dirige a la mansión.
Repentinamente, ese mismo día ocurre otro asesinato
dentro de la mansión y todos los personajes se ven
envueltos en el crimen, bien como victimas o sospechosos.
Todos desconfían de todos, creando así una trama
de misterio entre los ocho personajes que mantiene a los espectadores
en suspenso durante toda la obra.
Entradas
en las taquillas del teatro y en el portal www. Ticketmundo.com
y sus puntos de venta en el CCT, Sambil, Tolón, Centro
Plaza y Metro kiosco estación Plaza Venezuela. Mayor
información puede ser solicitada a través de
la cuenta de facebook: FitCaracas y de twitter: @FitCaracas
y a través de http://fitcaracas.blogspot.com/
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SUEÑOS
TROTANTES 30 Y 31de marzo en la Sala Rajatabla 7:00 p.m.
SUEÑOS
QUE TROTAN Y DOMAN DESDE LAS ALTURAS
Con
el montaje Sueños trotantes de la compañía
CIANE el teatro de la calle adquiere una nueva dimensión,
al proponer un espectáculo de Teatro Físico
y Danza de Altura, que refleja en el hecho escénico
las diversas motivaciones, expectativas, pasiones, fantasías
y realidades que encerramos como seres vivientes y expectantes
de la realidad. Es la premisa de su directora y fundadora
Soraya Orta, quien lo hará posible los días
30 y 31 en la Sala Rajatabla a las 7:00 pm.
"Mostramos",
dice esta docente y coreógrafa, "a través
de la poesía del movimiento a un chiquilín,
a un niño con carencias y necesidades, que representa
cualquier niño o niña en situación de
riesgo, podemos descubrir a través de la historia como
la magia que le envuelve a través de sus realidades
y anhelos lo impulsan a seguir adelante y el cómo a
partir de las limitaciones se puede alcanzar el éxito
si le damos fuerza a los sueños por encima de duras
realidades".
"Queremos
encontrar en el ojo del espectador", agrega, "un
inmenso luminario que encierre en sus expectativas y deseos;
soñamos todos los días con conciencia y sin
ella, con anhelos y fe".
Un espectáculo que muestra la estética particular
que caracteriza a CIANE en su trabajo físico e interpretativo
con zancos como una herramienta de elevación con la
que los intérpretes actúan en el escenario en
diferentes niveles espaciales, con y sin los zancos, y la
versatilidad de sus cuerpos mantiene al público de
todas las edades atrapado en medio de una poesía cargada
de emociones y adrenalina con destrezas acompañadas
de un sentido dramatúrgico en el contexto de una historia
que se muestra para dejar una hermosa enseñanza en
grandes y pequeños. Una esperanza de vida y transformación,
de lucha y optimismo.
Estos
domadores de alturas brindaran al espectador sus estrategias
poéticas-físicas, en una muestra de certera
capacidad de movimientos, aunado a una hermosa interpretación,
cargada de pasión, entrega, habilidad, dinámica,
interacción entre ellos y el publico, estarán
para abrir un espacio a la imaginería, a la explosión
emotiva del hombre donde el zanco se viste de una esplendorosa
fuerza llena de vida. Seres que permanecen "Entre
el Cielo y la Tierra". Un espectáculo no solo
de zancos, es un espectáculo basado en la técnica
CIANE que fusiona la Danza, la acrobacia, el teatro físico
y la expresividad del interprete elevado del suelo a través
de la herramienta de los zancos que pasan a ser un recurso
para el ejecutante de esta innovadora y única técnica
creada en el seno de esta agrupación venezolana.
Soraya
Orta actriz, bailarina, coreógrafa, directora y docente,
creó con Peggy Bruzual, la técnica "Danza
de altura", tendencia escénica que fusiona
la danza, el teatro físico, la acrobacia y los zancos
en una sola disciplina. Es la Directora artística del
CIANE, profesora de acrobacia de la Universidad Bolivariana
de Venezuela y Maestra de Expresión Corporal del Taller
Nacional de Teatro de la Fundación Rajatabla.
ITALIA
CARLOMAGNO
Sáb 30 8:00 p.m. y Dom 31 6:00 p.m. de marzo en el
Teatro Trasnocho
CARLOMAGNO
VUELVE AL CAMPO DE BATALLA
La
gran tradición italiana llega al FITC 2013 con obras
para niños que recuerdan los avatares de los hombres
en los campos de batalla, juegos infantiles, los juegos de
guerra. Trágica ironía donde la distancia en
el tiempo le brinda encanto a caballeros, paladines y escuderos.
"Paladini di Francia", de Francesco Nicolini, bajo
la dirección de Enzo Toma, trabaja con la seducción
de los moppets. La compañía italiana Cantieri
Teatrali Koreja estará sobre la escena del Teatro Trasnocho
los días sábado 30 a las 8:00 pm y domingo 31
a las 6:00 pm, la voz distante en el tiempo, valerosa y triunfal
de Carlomagno se hará sentir por la vía lúdica
y metafórica.
"Debajo:
Cuerpos, el metal, el amor y la guerra. Arriba: alambres,
voces y un destino trágico", define el dramaturgo
Francesco Nicollini. "Carlomagno y sus paladines".
Cuando yo era un niño odiaba los personajes prototipos
de los conquistadores, mientras que yo amaba su representación
de la muerte con ternura, las marionetas. Veinte años
más tarde, cuando veo a hombres y / o títeres
morir en la batalla entiendo que todo el mundo merece compasión
y sus cadáveres deben ser respetados", agrega
este autor que confiesa su admiración por el lenguaje
de Pier Paolo Passolini.
La
obra que cuenta con las actuaciones de Carlos Durante, Antonella
Iallorenzi, Francesco Cortese y Silvia Ricardelli, obtuvo
en 2009 el Premio de la Asociación Nacional de Críticos
de Teatro Italiano. Sus autores definen "Paladini di
Francia" como un espectáculo tragicómico
y meta-teatral, lleno de citas y fluido que cautiva con la
apertura de espacios de la emoción y la poesía
delicada en el marco amado de lo que son nubes. Consideran
a Pasolini una fuente de inspiración para la definición
de los personajes.
Varios dialectos evocan las muchas lenguas de una guerra lejana,
con la voz de Carlomagno que es al mismo emperador y director.
La armadura y las espadas chocan al igual que el escenario
de marionetas siciliano, los movimientos rítmicos,
la luz, como si en realidad fueran los temas que guían
los pasos de los combates.
Pero
también el juego de los niños, la experiencia
de sabor de la ficción de la guerra, los cascos y armaduras
hechas con elementos de recuperación, utensilios de
cocina, cubiertos, colador, ya que son también los
perfiles de caballo a galope en una forma lúdica: todo
lo que no tiene una elegancia especial, el maquillaje perfecto
cuidado, personajes populares se fusionaron con el sentido
estético reflexivo. Un viaje que bordea las zagas de
Hamlet, Ricardo lll o El Quijote en similitudes de vidas y
acciones.
"Paladini
di Francia", se estará presentando en el Teatro
Trasnocho, en Las Mercedes loss días 30 y 31 de marzo.
Las entradas, con un valor de Bs. 225+Iva, pueden ser adquiridas
en la taquilla del teatro de lunes a domingo, de 2:00 a 7:00
p.m., o a través de www.ticketmundo.com, y sus puntos
de venta en el CCT, Sambil, Tolón, Centro Plaza y Metro
kiosco estación Plaza Venezuela. Mayor información
puede ser solicitada a través de la cuenta de facebook:
FitCaracas y de twitter: @FitCaracas y a través de
http://fitcaracas.blogspot.com/
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